This is England, regia di Shane Meadows. Con Thomas Turgoose, Stephen Graham, Jo Hartley, Andrew Shim, Vicky McClure. ***** di Pierluigi Magnaschi Uno straordinario film che vi consiglio di correre a vedere, prima che sia stato sommerso dalla nuova programmazione. E’ un film che andrebbe  consigliato/imposto, per una settimana di seguito, ai Riccardo Scamarci  o alle Isabelle Ferrari che sembrano essere gli unici tipi di attori che oggi ha a disposizione la filmografia italiana. Essi sono dei flebili interpreti, inguaribilmente provinciali, ma utilizzati in tutti i film come se fossero delle erbe infestanti. Essi quindi, in un ordito cinematografico deplorabilmente autarchico e di stretta consanguineità familistica, ci vengono continuamente somministrati, in barba alla  meritocrazia, come se l’Italia avesse a disposizione solo una manciata di attori di modestissimo spessore ma di grande introduzione. Per cui non si scappa. O sono questi, o sono questi. This is England è un film ambientato in Gran Bretagna, negli anni della Thatcher e della guerra delle isole Falkland. Racconta la storia di un bambino di dieci anni, figlio di un militare morto nella guerra contro gli argentini. In casa, passa il tempo a letto a rimirare la foto del padre impettito e severo, vestito da militare. A scuola, viene deriso perché non porta i vestiti alla moda. La mamma è una povera e giovane vedova più fragile di una piuma che è portata in giro dagli eventi e che, sul figlio, ha una sola idea certa: che non può farsi tagliare i capelli a zero. Su tutto il resto, lascia correre. Non vede, non capisce, non interviene. Al massimo, si limita a  sospirare dietro una folta calotta di capelli che le nasconde il viso come se il suo massimo desiderio fosse quello di scomparire dietro un burka tricologico. Suo figlio (che recita in un modo inimmaginabilmente efficace; veramente un grande attore; plasmato da un regista sublime) è solo a casa ed è rifiutato a scuola. Si fa perciò adottare, per caso, da un gruppo di marginali sui venti-trent’anni , senz’arte né parte, che passano la giornata per strada a bere birra e a sopraffarsi a vicenda. Con essi, si dedica alla devastazione di un edificio abbandonato, passa serate a sentire la musica sdraiato per terra in sordidi appartamenti, si innamora (lui, decenne, di una strafatta sui 25 anni, che ha una faccia più dipinta di una tavolozza). L’amore, a suo modo tenero anche se sfiatato e senza sbocchi, che si stabilisce fra i due ha dei momenti di assoluta dolcezza, di acuto straniamento e persino di straziante erotismo. Due turaccioli persi nei gorghi della vita. Il film descrive a meraviglia la sociologia di gruppo fra giovani marginali assistiti dal welfare inglese, senz’ombra di futuro. Ognuno, anche in questi gruppi che sembrano contrastare programmaticamente la fissità gerarchica della cosiddetta  società borghese, ha una sua collocazione ed un suo ruolo ben preciso e non derogabile. C’è l’aggressivo mitomane, il testimone che segue comunque la maggioranza, l’astenico, la vittima, il ciccione. Le ragazze del gruppo sono sempre in seconda fila. Non partecipano ai giochi ma si limitano a vederli. Hanno la fissità inespressiva delle bambole di plastica. A loro modo, sono pure dei bravi ragazzi (anche se questa valutazione può sembrare sorprendente; ma non per chi ha visto questo film). Il merito del regista è appunto quello di non avere costruito un film a tesi ma di aver realizzato il ritratto fedele di un tempo e di un gruppo.  L’uno e l’altro, avvicinati con stupore e voglia di ritrarre, senza giudizi di merito, se non molto impliciti. Questo è un film per capire, non per giudicare. In ogni caso, tutti (anche quelli che, nel gruppo,  fanno un grande casino) sono degli sconfitti. Alcuni si rifugiano nel razzismo e nel nazionalismo. Ma anche queste sono stampelle che, oltretutto, non convincono tutti. Il collante di tutta la storia, l’unico che, nella sua apparente innocenza, può permettersi di infrangere le regole di questi sregolati ed attraversare i recinti che separano i vari componenti del gruppo, è il ragazzino che, recitando, esprime paura, coraggio, lucidità, aggressività e sottomissione. Una gamma di sentimenti amplissima, riflessa in un viso improbabile e, tutto sommato, anche inespressivo perché fisso. Il ragazzino infatti recita con i suoi occhi mobilissimi che si agitano in una faccia immobile che sembra essere quella di un manichino. La vicenda si snoda su immagini sfocate di cronaca di quegli anni, rese con un color pastello sbiadito e sottolineate da una colonna sonora con le calde canzoni di quel tempo e  con le improvvise e sconvolgente vibrazioni, fatte con poche note, estratte  da chitarre pizzicate che emettono suoni appuntiti e roventi che ti entrano nel fisico, prima ancora che nella testa. 02-09-11

Hanna, regia di Joe Wright Con Cate Blanchett, Eric Bana, Saoirse Ronan, Olivia Williams, Tom Hollander.* La critica militante ha assegnato a questo film inesistente (anche se confezionato con molta maestria e grandi mezzi) ben tre asterischi. Al massimo, ne merita uno. Sembra il film di una primaria agenzia di viaggi girata con l’attenzione dei tecnici di National Geographic. La storia infatti si snoda fra le nevi dell’estremo Nord, i deserti africani, le città arabe, le architetture di una megalopoli e le autostrade americane senza fine. Tutto per sorprendere e stupire. Non per raccontare. Anche perché qui la storia non c’è. Solo azione. Per che cosa? Non si sa. di Pierluigi Magnaschi, 02-09-11

Michel Petrucciani - Body & Soul Regia di Michael Radford con  Michel Petrucciani ***** di Pierluigi Magnaschi Non è una docufiction, come è stato scritto in giro, ma un vero e proprio documentario. Se vogliamo, è l’inchiesta giornalistica condotta con la macchina da presa sulla vita di un uomo. Un francese assolutamente fuori misura. Petrucciani (il cui cognome evidenzia senza dubbio la sua ascendenza italiana) era un tipo fuori misura, non solo fisicamente (era alto solo un metro e un centimetro e soffriva di osteogenesi imperfetta per cui le sue ossa si fratturavano ad ogni occasione e sotto il minimo impulso: si fratturò anche nascendo) ma era fuori misura anche come personalità. Figlio di un povero musicista francese da quattro soldi, Michel Petrucciani, divenne, fin dalla sua più giovane infanzia, un pianista eccezionale. Il suo primo concerto lo tenne a 13 anni, nel Sud della Francia, con l’allora celebre trombettista americano Clark Terry che rimase di stucco quando si vide portare sul palco il suo accompagnatore al piano, uno straccio di bambino, in braccio ad un accompagnatore.   Preso da commiserazione, il grande jazzista accennò ad alcuni accordi facili facili. Il bambino, che non arrivava alla tastiera, gli rispose subito da par suo, tra lo stupore di Terry che si librò allora in spericolatezze jazzistiche per metterlo alla prova e sicuro di seminarlo. Il piccolo Michel invece lo assecondò nei suoi testa e coda in un cascata di note musicali travolgenti mentre il pubblico della sala andava in visibilio. Un testimone di quell’exploit, ancora emozionato a 35 anni di distanza, commenta: “Michel suonava come un vecchio negro amareggiato dalla vita in uno squallido locale del Sud degli Usa”. Il sogno di Petrucciani era di andare negli Usa per suonare assieme ai suoi miti e per arrivare alla Blue Note, il tempio del jazz. Da qui la sua doppia personalità: francese ed americana, ben sottolineata in questo film dalla decisione del distributore italiano di farlo parlare, sottotitolandolo in italiano, sia in francese che in inglese. Una lingua, quest’ultima, che Petrucciani parla con grande disinvoltura, senza nemmeno un pizzico di accento francese, perché voleva essere anche americano e ci riuscì perfettamente, apprendendo l’inglese in soli sei mesi di studio accanito. Petrucciani sapeva che avrebbe vissuto poco. Voleva perciò tutto in fretta. E bene. Anche se tutto era contro di lui. Fino ai 25 anni, per muoversi, doveva essere portato in braccio da qualcun altro. “Non potevano nemmeno essere le donne, purtroppo” disse “perché, pur essendo piccolo, pesavo troppo”. Poi cominciò a camminare penosamente, reggendosi con due grucce. Un uomo normale, in quelle condizioni, si sarebbe sparato. Non Petrucciani. Che si divertiva e faceva divertire un mondo tutti, raccontando barzellette, facendo battute, truccandosi con la parrucca, facendo le boccacce. Petrucciani inseguiva la vita cercando di anticiparla e di farle fretta. Faceva fino a 220 venti concerti all’anno dall’una e dall’altra parte dell’Atlantico. Un’enormità che avrebbe stroncato anche un toro, ma non lui. Aveva avuto ufficialmente quattro mogli-compagne. Ma era assediato da molte altre donne, tutte, inspiegabilmente, ma  poi non tanto, innamorate da lui. Fece anche un figlio, purtroppo affetto dalla sua stessa malattia, e che compare nel film, indomito come lui. Questo film racconta, con immagini documentarie (nulla è recitato) e testimonianze degli amici, una vita eccezionale, travolgente, unica, irripetibile, contagiosa. Una vita dominata da quelle mani extraterrestri che uscivano, enormi ed imperiose, da un corpo che non c’era e che producevano una furiosa cascata di note, mentre il viso di Michel, imperlato di sudore, diventava imperscrutabile, austero e lontano, solo vagamente umano come quello di una mummia Maja. Michel era la musica e la musica era Michel. I due ingredienti appaiono così shakerati fra di loro da risultare indistinguibili. Un film indimenticabile, questo. Grandissimo. Fatto a misura di un gigante fragilissimo e storpio, alto un metro ed un centimetro. Si chiamava Michel. Michel Petrucciani. E questo film lo rende eterno. Prosit, grandissimo Michel.  Dormi cullato dalle note da te prodotte e che continuano ad inseguirti. 22-07-11

The Conspirator regia di  Robert Redford con Robin Wright, James McAvoy, Jonathan Groff, Alexis Bledel, Danny Huston * Non basta essere un bravo attore per diventare anche un bravo regista. L’impresa è riuscita più volte all’immenso Clint Eastwood ma non riesce certo a Robert Redford che, in questo caso, dirige un telefilm con molti mezzi ma che resta un telefilm, raccontando il processo dei supposti assassini di Abramo Lincoln, il presidente degli Stati Uniti che abolì la schiavitù. La narrazione è scontata, i personaggi quasi caricaturali, la sceneggiatura diligente ma niente più.  Grande l’interpretazioni del solo James McAvoy nel suo ruolo di imberbe ma anche risoluto avvocato difensore nordista della vedova Suratt, madre di un cospiratore, che non centrava con il complotto, ma che venne giustiziata per dare una lezione a tutti, in base al  principio che, evidentemente si usava anche prima di Tangentopoli, che  “non poteva non sapere”. Pierluigi Magnaschi, 22-07-11

La polvere del tempo regia di  Theodoros Angelopoulos con Willem Dafoe, Bruno Ganz, Michel Piccoli, Irène Jacob, Christiane Paul, Kostas Apostolidis, Tiziana Pfiffner, Alexandros Mylonas, Norman Mozzato, Reni Pittaki***  di Pierluigi Magnaschi Con una sceneggiatura bozzettistica di questo tipo (il demerito lo si deve soprattutto a Tonino Guerra che ha dalla sua il fatto di essere lui e di essere anche nonagenario) qualunque altro regista ne avrebbe ricavato un film da un asterisco. Invece Theo Angelopoulos, come un novello Laocoonte, si disistrica da una sceneggiatura alla stato brado,  tortuosa e attorcigliata, riuscendo, di tanto in tanto, a riemergere alla superficie di questa trama caleidoscopica, con gli occhi sbarrati dallo sforzo  e la bocca in debito di ossigeno, per mettere a segno, qui e là, una sua unghiata che lo salva, senza per questo, purtroppo, riscattare questo film che è il peggiore fra quelli realizzati dal regista greco. La storia da esso raccontata  si basa sul desiderio di un regista di realizzare un vecchio progetto sulla figura della madre. Una donna che era stata accusata di tradimento dai comunisti russi ai tempi di Stalin e che, per questo, era stata trasferita in Siberia da dove, poi, molto poi,  era stata liberata. La donna, pur essendo smilza, affaticata, incolore ed esausta, anche per le grandi e devastanti prove che era stata costretta a subire, era amata disperatamente da due uomini. Uno, era un suo connazionale e l’altro era un ebreo scampato ai campi di sterminio. La fuga della donna dall’orrore sovietico, con il visibile e strano seguito dei suoi due uomini, si dipana  a zig zag fra la Germania (nella quale si avverte, prepotente, il nuovo vento che cominciava a spirare attraverso le crepe del Muro di Berlino) , Parigi, Roma e gli Stati Uniti per poi tornare ancora in Europa, giusto in tempo per salvare una nipotina ammalata di depressione che si sta lanciando da un edificio che, guarda caso, come se non bastassero i già tanti elementi diversivi, è occupato da squatters. E la nonna arriva proprio negli attimi immediatamente prima, e poi, nel corso, della brutale irruzione della polizia per eseguire lo sgombero coatto dell’edificio.  Il film procede per continui flash back ed ininterrotti snodi narrativi, con personaggi che scompaiono senza dire addio e altri che entrano senza nemmeno bussare alla porta. Alla fine, questo pout pourri lascia rintronato lo spettatore che non sa più a che storia aggrapparsi. Ma, pur nella confusione della trama e nella fumosità della storia, il genio Angelopuolos ha modo di esprimersi in alcune scene memorabili come, ad esempio, in Siberia, descrivendo gli scheletri ambulanti (e le anziane cosi grasse da sembrare il testimonial della pubblicità Michelin)  che, silenziosi e mestamente strascicanti e svuotati , si avviano verso la piazza principale di una cittadina spettrale, devastata dal gelo, per un appuntamento di cui non conoscono le scopo. Salvo poi capire che è per apprendere, grazie a un altoparlante, che il grande padre del popolo russo, Iosef Dsugasvili Stalin, è morto. E piangere a dirotto un uomo che era stato la loro rovina.   Così è memorabile la marcia ininterrotta, sempre in Siberia, verso il nulla, su una scala di metallo aggrovigliata, da parte di una serie ininterrotta di uomini che sembrano, da lontano, un millepiedi umano senza più punto di riferimento. O la visita dello scalcinato esperto di organi in una chiesa abbandonata da decenni  che, mettendo le mani su una tastiera polverosa, trae da quella devastazione, un suono elettrizzante  che contrasta con le rovine fisiche e morali di tutto ciò che gli sta attorno, quasi a significare che lo spirito (anche quando sembra scomparso ed annientato) è sempre lì sottofondo. Basta richiamarlo, da parte di chi gli da del tu,  che si fa subito  vivo. Tutto è sepolto, violato, schiacciato. Ma niente è scomparso. la speranza e l’umanità, magari acquattate, e magari acciaccate, sono infatti sempre dietro l’angolo proote a rifarsi vive mentre la vita continua.  23-06-11

Le donne del 6º piano (Les femmes du 6e étage),  regia: Philippe Le Guay   con Fabrice Luchini, Sandrine Kiberlain, Natalia Verbeke, Carmen Maura, Lola Dueñas. ***   Fabrice Luchini è come Alberto Sordi. Con lui, qualsiasi film sta in piedi. Se poi è guidato da un regista come Le Guay , la ciambella, come in questo caso, riesce con il buco. Le donne del 6° piano sono le cameriere  immigrate dalla Spagna che lavorano al servizio delle famiglie vuotamente altezzose che vivono in un condominio borghese nel centro di Parigi . Luchini interpreta il ruolo del finanziere attento solo al livello di cottura del suo uovo alla coque. Sua moglie è distrutta dagli impegni sociali. I figli (che fortunatamente studiano in collegio) quando tornano, sono l’espressione visibile del peggioramento della specie. Le donne del 6° piano invece, anche se con il loro carico di sofferenza, sono vive, spesso solidali, anche se molto  diverse fra di loro. In genere esse sono brutte ed hanno, in testa, dei sogni irrealizzabili. Solo l’ultima arrivata è carina, intelligente, riservata. Gettato fuori casa dalla moglie inutilmente gelosa, Luchini si rifugia in una stanza del 6° piano, fra lo comunità delle donne di servizio spagnole  di cui ammira l’umanità sorgiva, spontanea, disponibile. E’ dal confronto, anche fisiognomico,  fra questi due mondi che si snoda un film, leggero, ma bello. Una commedia frizzante e godibilissima sulla condizione umana nel Terzo Millennio.   Pierluigi Magnaschi, 23-06-11

“Red” di Robert Schwentke con Bruce Willis, Morgan Freeman, John Malkovich, Mary-luois parker e Helen Mirren *** di Pierluigi Magnaschi Un film divertente, ironico, mozzafiato, irriverente. Realizzato con un ritmo indiavolato, utilizzando un cast di attori non solo straordinario per la loro fama ma anche  al meglio della loro forma. Questo film non prenderà sicuramente l’Oscar ma  è destinato a far divertire gli spettatori, cosa non molto consueta, attualmente, specialmente con i film italiani che sono, o sguaiati, o noiosi.  Bruce Willis, agente dalla Cia, da poco in pensione e che vive da scapolo in un amorevole cottage immerso nel verde, viene messo nel mirino della Cia perché testimone, molti anni prima, di un massacro perpetrato da un sottotenente Usa in Guatemala. Il guaio per Willis è che quel sottotenentino è diventato,nel frattempo, un uomo potente. Così potente, da essersi candidato alla presidenza degli Stati Uniti. Ecco perché costui vuol far fuori il testimone di quell’eccidio. Un massacro, questo,  che è stato nascosto grazie a molte connivenze ma che potrebbe riemergere con la testimonianza di questo pensionato della Cia che passa ore di noia nel suo cottage immerso nel verde. Da qui l’ordine di ucciderlo per eliminare, una volta per sempre, un testimone che potrebbe diventare scomodo. Willis viene affrontato di notte, mentre lui è a letto, da un gruppo di agenti della Cia, armati di armi devastanti che riducono il cottage a una gruviera. Ciò nonostante essi  non riescono a impedire a Willis di fuggire. Per difendersi da un attacco così potente e preciso, Willis decide di appoggiarsi su alcuni colleghi, pensionati della Cia come lui. E cioè, per salvare la pelle, coinvolge il nero Morgan Freeman, che vive in un ospizio dove passa il tempo cercando avventure con le infermiere che però lo trattano come un discolo inoffensivo. Recupera anche John Malkovich che recita la parte  di un agente segreto ossessionato dai tiri mancini di fantomatici nemici che non si fanno mai vivi e che, ciò nonostante, vive tra le frasche di una sorta di foresta, pieno di foglie più di un albero. Per bilanciare la compagnia chiama anche Helen Mirren, quì,  in forma strepitosa, che, vestita di bianco e in lungo come se partecipasse ad una festa da ballo, si mette a usare le mitragliatrici così come una signora dabbene adopera il rossetto. Il gruppo di anziani scapestrati viene completato dall’insignificante unica giovane  dell’intero cast: Mary-Louise Parker che recita da bella statuina. Il film pieno di trabocchetti, di attacchi, di fughe con ogni mezzo. Una carambola per gli occhi. Una festa per la mente. Negli Usa permanentemente giovinalisti, quì sono di scena degli indomabili e simpaticcissimi vecchietti, pronti a tutto e disposti a tutto. 27-05-11

“Come acqua per gli elefanti” di Francis Lawrence con Reese Witherspoon, Robert Pattison e Christoph Waltz. *** E’ la storia del contrastato amore circense fra un giovane belloccio che spala la cacca degli elefanti di un circo della fine Ottocento in Usa e una cavallerizza malmaritata con il padrone del circo, Christoph Waltz, che è molto credibile nel suo ruolo di inguaribile cattivo, disposto a tutto pur di non pagare i suoi dipendenti e di attrarre il pubblico. Nel complesso è un film gradevole costruito su un plot fragile, consunto e perciò anche facilmente  prevedibile. Il migliore attore di questo film recita da bestia. E’ infatti un’elefantessa che recitata come se fosse uscita dall’Actor’s  studio e dà dei punti a tutti i suoi colleghi bipedi. Le basta un colpo di orecchie per catturarsi tutta la scena. Con i barriti non diciamo. E con  i suoi zamponi fa faville. Insomam è nata una nuova star. Lei non lo sa. Ma lo è. Pierluigi Magnaschi, 27-05-11

“I baci mai dati” di Roberta Torre con Donatella Finocchiaro, Carla Marchese, Giuseppe Fiorello. * La regista Roberta Torre aveva cominciato bene con il film “Tano da morire”. Poi aveva proseguito con il meno convincente “Angela”. E adesso è definitivamente finita fuori strada con  “I baci mai dati”, un filmino esile e pretenzioso sulla presunta apparizione della Madonna a una bambina nel quartiere Librino della città di Catania che, progettato dal giapponese Kenzo Tange, doveva essere un città giardino è che invece è una sorta di villaggio caserma tipo Cinisello Balsamo nella periferia milanese.  Del cast si salva la piccola Carla Marchese, piena di stupori e di silenzi, trascinata da eventi più grandi di lei. Cerca di non annegare, ma beve molt’acqua, Donatello Finocchiaro. Nel ruolo  di parrucchiera si ripete come un disco rotto persino la di solito brava Piera degli Esposti. Un film allo sbando, discacalico, strampalato, occasionale. Pierluigi Magnaschi, 27-05-11

Fughe e approdi, regia di Giovanna Taviani
con Francesco D'Ambra, Giovanna Taviani, Adele Turchio, Edoardo Bongiorno, Maria Giuffrè, Caterina Conti, Stefano Cincotta ****




di Pierluigi Magnaschi

Questo è un film o un documentario? Chi lo sa! E’ sicuramente una pellicola molto bella, da vedere assolutamente. Solo le detestabili stravaganze della distribuzione cinematografica, impediscono di portare questo film (che è fuori dal comune) alla conoscenza del grande pubblico. Per fortuna, a Milano, c’è un locale, il “Mexico” di via Savona (sia sempre lodato il suo gestore) che trova spazio e pubblico per far girare queste pellicole straordinarie ed appassionanti.

Il film racconta le isole Eolie, l’arcipelago in provincia di Messina, che era già conteso nel 4 mila avanti Cristo perché era ricco di ossidiana, un sostanza vetrosa di origine vulcanica che, a quei tempi, era il materiale più tagliente sul quale potesse fare affidamento l’uomo. Nel 260 furono teatro di una grande battaglia tra Roma e Cartagine e poi divennero vivaci centri di commercio dello zolfo, dell’allume e del sale.
Il film è, in sostanza, il viaggio su una tartana dalla vela rossa attraverso le isole Eolie. La barca è guidata da Franco “Figliodoro”, un vigoroso ex pescatore originario di Lipari che fu il protagonista, nella stesso ruolo, nel film “Kaos” dei Fratelli Taviani (1984). E’ lui, con la sua tartana, il filo conduttore di questa visita mozzafiato a questo arcipelago di “fughe e di approdi”. Da qui infatti fuggivano, per andarsene, magari, dall’altra parte del mondo, i cavatori di pomice per evitare il male della pietra, la silicosi. Qui arrivarono i confinati dal regime fascista. E da qui evasero Emilio Lussu e Nello Rosselli in una fuga che ridicolizzò il regime agli occhi del mondo intero. Qui vennero girati film memorabili da grandi registi come Roberto Rossellini (“Stromboli” e “Terra di Dio”), Michelangelo Antonioni ( “L’avventura”), I fratelli Taviani (“Kaos”), Massimo Troisi (“Il postino”), Nanni Moretti (“ Caro diario”), Senfi Dieterlo (“Vulcano”) con un corteo di attrici come Anna Magnani ed Ingrid Bergman (in implacabile lite fra di loro per avere in esclusiva l’amore di Roberto Rossellini), Monica Vitti, Lea Massari.

Con un montaggio da togliere il fiato, tanto esso è perfetto, le immagini splendide delle isole Eolie viste dal mare, si dissolvono, senz’alcuna soluzione di continuità, in quelle dei film che sono stati girati in questo arcipelago e si avvolgono, a loro volta, nelle testimonianze degli abitanti del luogo, con le loro facce antiche, scavate dal sole e dal vento e le loro parole aguzze come uno scalpello.

Queste isole tormentate dalle eruzioni e rese bellissime dalle rocce scure che sorgono improvvisamente dal mare, come se fossero spinte verso il cielo da un’improvvisa forza titanica, appaiono come degli straordinari ed incredibili geyser di pietra. Questo è un film magico. Unico. Documenta ma racconta. Sta ai fatti ma si libra nel mistero. Parla di storie che si perdono nella notte dei tempi. Racconta di un sole che non c’è da alcun’altra parte. Di un mare infinito. Di capre che vagano, rincorrendosi senza meta, fra gli sterpi, con quei loro occhi terrorizzati e curiosi. Di trombe d’aria ( o di acqua?) che emergono e fuggono d’improvviso . Di uomini e donne che volano. Un film felicemente misterioso. Che gioca a rimpiattino con chi ha l’animo aperto al mistero e alla sorpresa. Non a caso, la regista, alla fine del film mette queste parole: “Al nostro Paese che è stato, e può tornare, ad essere un grande paese”


04-05-11
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La fine è il mio inizio, regia di Jo Baier
con Bruno Ganz, Elio Germano, Erika Pluhar, Andrea Osvárt, Nicolò Fitz-William Lay *



di Pierluigi Magnaschi

E’ la prima volta che, al cinema, vedo un radiodramma. La macchina da presa, in questo film, è di troppo. Sarebbe bastato un registratore audio. La testimonianza è tragica ma anche al rosolio. Si tratta di un uomo (Tiziano Terzani) che, alla fine della sua vita, affetto da un cancro allo stato terminale, fa il bilancio della sua esistenza per girare il testimone al figlio. Terzani era stato, in vita, un globe trotter. Aveva vissuto per molti anni, dall’altra parte del mondo. Nei paesi dell’ Estremo Oriente e in Cina, soprattutto. Nonostante avesse visto le cose con i suoi occhi, aveva preso abbagli colossali (poi fatti dimenticare). Vedeva in Mao la nuova primavera (tanto da voler appioppare la figlio il nome di Mao). Poi si innamorò dei khmer rossi di fronte ai quali Hitler e Stalin sembrano due viola mammola. Infine ha monetizzato la sua agonia: Non è bello.

04-05-11
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L’altra verità, regia di Ken Loach
con Mark Womack, John Bishop, Najwa Nimri, Trevor Williams, Stephen Lord, Andrea Lowe, Geoff Bell. *




di Pierluigi Magnaschi

Non tutte le ciambelle riescono con il buco. E questa, il buco non ce l’ha proprio. Ken Loach è un regista d’attacco, di accusa, violento, spesso unilaterale. Ma anche bravo. In un giallo si perde. E infatti qui divaga, cincischia, gira su se stesso, perde il filo. Insomma, alla larga da questo film.


04-05-11
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“Habemus Papam” di Nanni Moretti
con Nanni Moretti, Michel Piccoli. Margherita Buy, Renato Scarpa, Jerzy Stuhr. ****



di Pierluigi Magnaschi

Il compito di un uomo di cultura non è quello di dare delle risposte ma di porre delle domande. Se questa definizione è valida (e io credo lo sia) Nanni Moretti ha girato questo suo splendido film da uomo di cultura. “Habemus Papam” infatti non è un film saccente ma problematico. Rovista addirittura in un Conclave, uno dei luoghi più claustrali e riservati del mondo, ma lo fa con un distacco ed una leggerezza gonfi di rispetto. Moretti è sicuramente un estraneo a quel mondo ma non è ostile a quel mondo. Cerca di capire quei cardinali che sono al limite della loro esistenza terrena anche se non ci riesce. Ma non per questo li sbertuccia.

La storia è presto raccontata. Un cardinale (interpretato da un Michel Piccoli che, per questo suo ruolo, passerà alla storia della cinematografia) viene eletto Papa contro le iniziali attese dei suoi colleghi cardinali che puntavano su altri e contro il suo autentico desiderio. Il cardinale infatti non si sente all’altezza di questo ruolo così difficile e complicato. Per cui, al momento in cui, dopo essere stato eletto, si dovrebbe affacciare dal balcone della Basilica di San Pietro, per essere investito dall’acclamazione dei fedeli che stipano la piazza abbracciata dal colonnato del Bernini, viene preso dal panico e rifiuta di manifestarsi. L’imbarazzo viene mascherato dall’organizzazione vaticana che fa sapere che “il papa ha preferito ritirarsi in meditazione e preghiera”. Intanto però viene convocato nel conclave uno psicanalista famoso (Moretti, che lo interpreta, confessa: “ Tutti dicono che sono il migliore, compresa mia moglie psicanalista che per questo mi ha lasciato”). Ma non cava un ragno dal buco. Nel frattempo, il Papa, sfuggendo al controllo dei suoi accompagnatori, gira in borghese per le vie di Roma. Ha unaria da fanciullo nel vedere negozi, persone, mezzi di trasporto. Viaggia in bus assieme a tanti immigrati. Dorme in una pensione.

Piccoli, recita in modo superlativo questo personaggio fragile ma anche determinato nel suo diniego. E’ un Papa uomo. Com’è possibile farlo, solo dopo che Papa Roncalli Giovanni Paolo II ed oggi Benedetto XVI sono assunti alla cattedra di Pietro con, intatta, anzi, alle volte anche esibita, la loro carica di umanità. Non sono degli asceti, santi ma lontani, come Pio XII o come Paolo VI. Potrebbero essere dei Papi della porta accanto (e spesso lo sono stati, diventando cosi popolarissimi in tutto il mondo, anche fra i non credenti). Essi non hanno rappresentato mondi lontani o vette inaccessibili. Questo Papa che non vuol essere Papa, è una persona confusa, stranita, schiacciata dalle sue future responsabilità. Ma è anche una figura molto dolce, tremendamente normale. Come quando (coperto da una robusta siepe dei giardini vaticani, dalla quale, sopraffatto da quel verde lussureggiante, sbuca solo con la sua papalina bianca) assiste alla marziale cerimonia del giuramento delle guardie svizzere e saluta quei soldati virili che gridano, orgogliosamente, il loro impegno in un tedesco imperioso, con un ciao ciao flebile, appena accennato, da nonno un po’ suonato che vuole tenersi in disparte ma che desidererebbe anche partecipare a quella festa.

La tesi che si può estrarre da questa storia è che stiamo vivendo un tempo terribilmente complesso, assatanato da un’incertezza sempre più vasta e diffusa, nel quale non ci sono più appigli realistici (anche se incredibili) di un tempo ai quali poterci aggrappare.

Le orgogliose e prepotenti ideologie del secolo passato si sono liquefatte. Il marxismo-leninismo che, fino a pochi decenni fa, riusciva a mobilitare centinaia di milioni di persone in tutto il mondo, adesso è diventato uno straccio imbarazzante ed inutilizzabile. La psicanalisi, che doveva scoprire i molteplici, paurosi, ma anche affascinanti arcani delle profondità umane, ha invece perso la strada in questa sua ricerca presuntuosa e adesso brancola nel buio delle frasi fatte, nelle quali, per primi, non credono più nemmeno gli psicanalisti. Anche la Chiesa, strattonata dal desiderio di quasi tutti, di voler vivere al meglio la loro vita, quì e subito, non riesce più a imporre la sua visione del mondo anche se, tra tante macerie, è l’istituzione che, nonostante tutte le sue crepe, regge ancora meglio.

Lo psicanalista principe (Moretti) e sua moglie (Margherita Buy) che dovrebbero, o potrebbero, andare in soccorso del Papa renitente, sono, in effetti, più spersi di lui. Non dispongono certo di una bussola attendibile per decifrare, per capire, per orientarsi. Anzi, essi puntano, a caso, sul nulla, sperando di approdare a qualcosa come fece, a suo tempo, Cristoforo Colombo al quale però bastava puntare sull’Ovest e tener duro. I due psicanalisti si appoggiano, con disinvoltura, su vaghe ed usurate formulette, chiavi dorate dalla credulità della gente (che si vergogna di ammettere di non capirle) ma che non aprono (e forse non hanno mai aperto) nessuna porta. Un’altra vittima del film è la tv (che, per molti, oggi, ha sostituito il marxismo, la religione e la psicanalisi messe assieme). Qui la tv, è rappresentata, fugacemente ma anche efficacemente, da un telecronista impiccione e vuoto come una camera d’aria, inutile nelle sue domande che sanno di nulla e con una imbarazzante faccia da imboscato

I cardinali del Conclave di Nanni Moretti invece non sono arrivisti. In questo, almeno, sono fuori dal mondo. Non brigano per diventare Papa. Anzi, temono di diventarlo. Sono quindi l’esatto opposto dei componenti di qualsiasi altro organismo elettivo dove i concorrenti venderebbero anche la mamma pur di salire al vertice.

Moretti si muove con grande abilità figurativa e narrativa in questo mondo così diverso per tutti, ritraendone, con partecipato calore, la munificenza dei riti e le normalità umane. In un film normale e sontuoso. nel quale lo Spirito non gonfia le vele ma sembra voler giocare con i suoi rappresentanti in terra.

22-04-11
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“I ragazzi stanno bene” (The Kids Are All Right) di Lisa Cholodenko
con Julianne Moore, Annette Bening, Mark Ruffalo, Mia Wasikowska, Josh Hutcherson, Kunal Sharma, Eddie Hassell, Zosia Mamet, Yaya DaCosta. ***




Pierluigi Magnaschi
 
Un film lieve, delizioso, problematico ed interrogativo su una vicenda che avrebbe potuto essere ostica e spinosa. Nelle mani di un regista medio italiano, ne sarebbe uscito un film greve, se non anche pecoreccio. Invece, girato da Lisa Cholodenko, questo film è lo spaccato di vita nell’interno di una famiglia di due lesbiche che, molto tempo prima, avevano deciso di diventare, entrambe, madri, rifornendosi dello sperma dello stesso studente universitario donatore.

La due consorti (si dice così?) sono, una (l’eccezionale Annette Bening), un medico ospedaliero con il piglio manageriale, che ha in pugno la situazione e governa la casa con delle occhiate e che è distrutta dagli impegni e con i nervi a fior di pelle. Si tiene su con degli enormi calici di vino rosso che deglutisce voracemente. L’altra invece è una casalinga (la bravissima Julianne Moore,) che ha allevato i figli e che, adesso che essi stanno prendendo il volo, vuole riciclarsi come improbabile progettista di giardini.

Adesso, la prima figlia di questa coppia gay, ha 18 anni, sta preparandosi a lasciare la casa per andare all’università. Il fratello ha due anni in meno ma, come è inevitabile in questi casi, arde dalla voglia di conoscere che è il padre biologico (che è un eufemismo per dire il donatore di sperma). Ma, per poter accedere ai file della banca del seme e quindi poter conoscere chi è stato il donatore, bisogna essere maggiorenni. Il figlio, ansioso, prega quindi la sorella, che è molto meno interessata a scoprire l’arcano, di contattare la clinica. Da qui la prima telefonata al padre inconscio che balbetta e cade dalle nuvole, incapace di realizzare che un bravata per fare qualche soldo, possa aver dato luogo a degli effetti che continuano vent’anni dopo. Ma, essendo un giuggerellone inutilmente invecchiato, il padre, ripresosi subito dallo shock, incontra volentieri i due figli, fraternizza immediatamente con loro, li porta in giro in moto (cosa che le due madri erano riuscite ad impedire fino a quel momento) e soprattutto, trascinato dai figli, li porta a mangiare gli hamburger, offre loro delle birre e poi, quasi inevitabilmente, si insinua nella famiglia rigorosamente gay, almeno per quanto si riferisce agli adulti, provocando devastanti sconquassi psicologici, sempre appena accennati da una regista che sa come giocare a fior di pelle con i sentimenti, riconoscendoli come tali e trattandoli con rispetto e misura, lontano da ogni caricatura o forzatura.

Per capire lo spessore umano del padre (“perdonalo perché non sa che cosa ha fatto”) basti pensare che, alla domanda dei figli che gli chiedono perché “lo ha fatto”, appunto egli non trova niente di meglio che rispondere: “Perché è più piacevole che donare il sangue”.

Inevitabilmente, la componente più debole (o più femminile; si può dire?) della coppia gay, la casalinga, finisce per innamorarsi del padre putativo di suo figlio mentre la dottoressa, sempre più inquieta, vede crollale le sue costruzioni sessual-sentimentali. Le scene di letto sono numerose (sia di tipo lesbico che eterosessuale). Queste sequenze sono anche roventi. ma non vanno mai oltre il segno. Sono state girate con un’appassionata pudicizia. Vengono date perché servono a capire che cosa sta succedendo in questo universo famigliare, non per far vedere due che scopano. Una cifra narrativa, questa, bellissima, frutto di un grande mestiere e non di una censura preventiva. Un film da vedere.

01-04-11
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“Gangor”, regia di Italo Spinelli
con Adil Hussain, Samrat Chakrabarti, Priyanka Bose, Seema Rehmani, Tillotama Shome. ***



Un film girato interamente in India, da un regista italiano. Tutto, in questa pellicola, è indiano. La storia, l’ambiente, gli attori, i tecnici. Questo è un film che è costato poco ma che vale molto. Racconta la vicenda di un fotoreporter che riprende, compensandola con poche rupie, una giovane indiana di umilissime condizioni mentre sta allattando la sua creatura in un contesto degradato e pieno di polvere, vicino a una fornace dove le donne lavorano in una condizione di sfruttamento inaudito .

La foto, in fondo innocente, e puramente documentaria, viene però pubblicata da un quotidiano locale per cui la giovane madre che espone il suo bellissimo seno, viene subito isolata dal suo ambiente, ridicolizzata e infine perseguitata dai maschi del posto che arrivano a stuprarla in gruppo. Questa scena, con la ragazza ridotta a un fagotto di stoffa in mano a feroci facinorosi, è una di una drammaticità assoluta. Gli intoccabili, con la complicità di una foto che noi considereremmo innocente, hanno scoperto (o creato) una più intoccabile di loro. Una cioè che sono riusciti ad abbassare oltre il loro già infimo livello. E la rabbia che non riescono ad esprimere contro i componenti delle caste superiori, la sfogano contro questa loro simile, degradata a cosa, da una foto. Questo è un grande film di un regista sconosciuto che meriterebbe ampiamente le paginate che i grandi giornali nazionali dedicano a qualsiasi controfigura del nostro, in genere deprimente, caravanserraglio registico nazionale. Questa rubrica , del resto, è nata anche per sovvertire queste gerarchie.

Pl.Mag., 01-04-11
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Sotto il vestito niente-L’ultima siflata regia di Carlo Vanzina
con Vanessa Hessler, Francesco Montanari, Richard E. Grant, Giselda Volodi, Virginie Marsan, Paolo Seganti, Claudine Wilde, Ernesto Mahieux, Mario Cordova, Alexander Doetsch, Vincenzo Zampa, Francesco Barilli, Elena Cotta, Alexandra Burman, Stefano Molinari.****



Pierluigi Magnaschi

I critici dei grandi media non vanno a vedere i film dei fratelli Vanzina (Carlo regista e, assieme al fratello Enrico, anche sceneggiatore). Lasciano l’incombenza ai critici di seconda o terza fila che anche loro, per non essere da meno, si guardano bene dallo spendere tempo ad andarli a vedere (la vita è breve, si sa). Affidano quindi a tutti i film di Vanzina (anche a quest’ultimo quindi) due asterischi di gradimento. Il che se fosse una pagella scolastica sarebbe un sei meno meno. E poi se ne vanno a letto felici e contenti, certi che domani è un altro gionro. E avanti un altro.

Dico questo perché conosco molti di questi soloni della celluloide. Ne conosco i tic, gli interessi (diciamo meglio, pardon, le predilezioni), le prevenzioni, i masochismi, le chiusure. Ma non posso certo dire che siano degli incompetenti. Se consentono che al film “Sotto il vestito niente” siano dati due asterischi ,l’unica spiegazione, per salvare loro la faccia, e lo faccio volentieri, è che non lo abbiamo visto.

Questo è infatti un film con i fiocchi. Un giallo non angosciante. Che sollecita il dubbio ma non si basa sul terrore. Un film che scava in un ambiente, descrivendo con esattezza filologica situazioni, personaggi, relazioni, trame, paesaggi, abitazioni, costumi, relazioni. Il film è costruito sulla figura di un grande stilista milanese, Federico Marinoni. Ma non è lo stilista ad occupare il pieno della scena. Lui è senza dubbio il punto focale della vicenda . Il personaggio che dà la prospettiva alla narrazione. L’appendiabito al quale sono aggrappati tutti gli altri personaggi che costruiscono il complesso e variegato teatrino della moda.

I veri protagonisti del film sono il contesto umano che ruota attorno allo stilista. Sono dei personaggi importanti, spesso importantissimi per il successo della Maison, ma anche defilati che, di solito, non entrano nella cronache dei grandi giornali, nelle quali riescono ad emergere ( o vogliono emergere) solo i grandi protagonisti: lo stilista e, quando c’è ed è in esclusiva, anche l’indossatrice- faro della Casa.

Questo film dei fratelli Vanzina è costruito con una sapienza artigianale sopraffina, nella quale non viene trascurato nessun dettaglio e dal quale emerge una impietosa (ma anche umanissima) descrizione di un ambiente sofisticato, internazionale ma anche meneghino, pieno di sfide, costruito sulla precarietà di una creazione effimera, che è sempre esposta all’impietoso ed imprevedibile giudizio del mercato.

Un settore quindi pieno di persone che, per poter vivere la loro sfida quotidiana, o per riempire i baratri delle loro precarie motivazioni esistenziali, o semplicemente per imitazione, cioè per essere à la page, si aiutano con la droga in quantità industriale e vivono, nell’azienda e fra le aziende, una concorrenza spietata, basata sull’inevitabile arbitrio dei giudizi e quindi anche sull’assoluta precarietà delle carriere.

Che, essendo esse al top, quando si concludono, determinano, non un declino, ma un collasso “Sotto il vestito niente” ritrae questo ambiente complesso e controverso, senza fare prediche o sollevare il ditino arcigno dei moralisti a danno degli altri che sono tanto diffusi nel nostro paese. Il ritratto di questo ambiente fatto dai fratelli Vanzina è fedele. Il film scorre fresco e godibile come un ruscello alpino, ducumentando lo spettatore e facendolo partecipe di un modo di creare, di produrre, di lottare di un ambiente di cui si sa per sentito dire ma che i Vanzina propongono dall’interno.

In un paese normale, i Vanzina sarebbero sequestrati entrambi dallo Stato e condannati ad insegnare come si fanno i film ai Centri sperimentali di cinematografia, ammesso che, in questi Centri, si apprenda a fare il cinema che invece, a mio avviso, è un mestiere che si apprende leggendo molto, vedendo i film, essendo portati a farli e frequentando i set. Nel nostro paese invece, proprio perchè non è un paese normale, ai film di Vanzina si danno due punti. Questa mia nota così controcorrente è un invito ai lettori (i soli verso i quali mi ritengo la servizio) per dire loro: andate a vedere “Sotto il vestito niente”. Sono certo che non vi deluderà.

01-04-11
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Tournèè, regia di Mathieu Amalric
con Miranda Colclasure, Suzanne Ramsey, Linda Maracini, Julie Ann Muz, Angela de Lorenzo, Alexander Craven, Mathieu Amalric, Damien Odoul, Ulysse Klotz***



Questo è un film dell’attore e regista francese Mathieu Amalric che racconta strampalata tournée di una compagnia di ballo bourlesque, prima in Francia (dove colleziona una serie di flop clamorosi) e poi negli Usa (dove invece andrà meglio anche perché lì, essendo un paese unanimemente sovrappeso, sono di bocca buona). Questa troupe è composta da ballerine fuori età e fuori peso. Che suppliscono, senza complessi di sorta, all’eccesso di chili e all’occhio affaticato, con una straripante simpatia. Questo non è un film che fa spanciare dalle risate di tanto in tanto, ma è un film che fa sorridere di continuo. Le attrici sono deliziose. L’impresario simpaticamente demente. La tournèe imprevedibile. Bello.


Pl.Mag., 01-04-11
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“Sorelle mai”, regia di Marco Bellocchio
con Letizia Bellocchio, Maria Luisa Bellocchio, Elena Bellocchio, Pier Giorgio Bellocchio, Alberto Bellocchio, Donatella Finocchiaro, Anna Bianchi, Alba Rohrwacher, Gianni Schicchi, Silvia Ferretti.*




Pierluigi Magnaschi

Sono convinto (e l’ho scritto ripetutamente) che Marco Bellocchio, fra i registi italiani viventi, è il migliore. Che il suo precedente film Vincere era un quasi capolavoro e che, senza dubbio, meritava di rappresentare l’Italia agli Oscar, dai quali è stato escluso per le solite manfrine del sottobosco italiano della celluloide. E, visto che Müller sembra volergli assegnare, al prossimo Festival del cinema di Venezia, il premio alla carriera, dico subito che condivido questa scelta. Detto questo debbo aggiungere che questo film, per decenza, non doveva essere fatto uscire nelle sale cinematografiche. Non si può costringere uno spettatore a uscire di casa, sprecare una serata e pagare 8 euro per vedere una pellicola che sembra un filmetto amatoriale in superotto, relativo alla famiglia Bellocchio, nel corso degli anni, in quel di Bobbio. Lo spettatore merita rispetto.

Questo dovrebbe essere il primo principio di galateo professionale che dovrebbe essere seguito da un regista che conta (e, ovviamente, anche dalla sua casa di produzione). E sempre per questo motivo lo spettatore non si può prendere per il naso con una promozione invereconda. Il Corriere della Sera di mercoledì 16 marzo, per esempio (ma non è certo l’unico giornale a stravedere e a stragiudicare) dedica, a questo filmetto esile come la carta velina, un’intera pagina e lo descrive come se fosse una svolta nella storia della cinematografia. Nelle note a margine delle programmazioni cinematografiche, il giornale milanese attribuisce, sempre a questo filmetto, quattro asterischi di valutazione, cioè il massimo.

Se questo è il criterio di valutazione, che cosa dà il Corriere della Sera limitandoci ai soli film attualmente in programmazione nelle sale italiane, ad Another year, Il Grinta, The fighter, Il discorso del re o Il cigno nero? Decide di sfondare il tetto delle valutazioni, attribuendo a questi film il triplo della valutazione attribuita al filmetto amatoriale di Bellocchio, introducendo così, per l’occasione, anche la valutazione con 12 asterischi? E persino il film carino Gianni e le donne del diligente Gianni De Gregorio, per comparazione con i quattro asterischi concessi a Sorelle mai, di asterischi ne meriterebbe almeno 8. Il giorno dopo, Il Corriere della Sera recidivava, dedicando una pagina intera del suo peraltro pregevole supplemento settimanale Sette a Sorelle mai intervistando l’attrice Alba Rohrwacher che, parlando del film di Bellocchio, diceva: «Vedendolo, mi sono emozionata».

Ora la Rohrwacher (che in questo film recita un esile cameo di pochissimi minuti, del tutto ininfluente sull’intero film) viene inevitabilmente, ma anche arbitrariamente, presentata come un’interprete del film e quindi (anche a suo danno) induce gli spettatori che l’apprezzano, a farsi infinocchiare, andando a vedere un film dove, in pratica, lei non recita. Che tutto questo fragoroso tam tam si riveli un boomerang (per il cinema, per le future pellicole di Bellocchio e per la credibilità della stampa che dovrebbe sempre mettersi dalla parte degli spettatori) può essere dimostrato dal fatto che, alla proiezione di mercoledì 16 marzo, delle 22,30 presso il prestigioso cinema milanese Eliseo Multisala di via Torino, c’erano solo due spettatori. Io e un vecchietto che, a un certo punto, beato lui, si è anche addormentato. Che nel caso di Sorelle mai è anche una reazione comprensibile, sebbene sia un’attività che non vale certo gli 8 euro del biglietto. Che andrebbe restituito. Per riuscire a raggiungere una lunghezza accettabile del film, e forse con la scusa di fare del cinema verità, Marco Bellocchio ha infilato nel film infiniti bagni nel Trebbia, danze nelle balere estive seguite senza luci e con la camera a spalla, brandelli di concerti lirici all’aperto. Insomma, un fritto misto dozzinale, giusto per arrivare alla fine, sia pure ammaccato gravemente nella sua credibilità.

A dimostrazione delle eccezionali qualità registiche di Marco Bellocchio restano alcune unghiate magistrali (ma purtroppo episodiche) come l’uso delle due zie (Letizia e Maria Luisa Bellocchio) che sono strepitose nel recitare loro stesse e la grande recitazione di una dilettante locale di assoluto talento come Anna Bianchi. Nonché la superlativa, anche se breve, recitazione del fratello del regista, nella parte del preside tarantolato dal dubbio. Di Donatella Finocchiaro invece si ricorda solo quando tira il respiro per riuscire a far vedere che non ha la pancia, mentre si appresta a fare un tuffo sul Trebbia. Di Gianni Schicchi si può solo dire che Marco Bellocchio ne ha abusato. Il finale? Patetico. All’insegna del motivetto Vecchio frac, in una sequenza che vorrebbe essere tragica e invece risulta ridicola. Bellocchio può farsi perdonare questo scempio, solo rifacendo per intero questo film, in modo professionale, con i mezzi che servono. Potrebbe risultarne persino un capolavoro. Ma, così com’è stato fatto, è una presa in giro.

21-03-11
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“The Fighter”, regia di David O. Rusell
con Mark Wahlberg, Christia Bale e Amy Adams . ****




di Pierluigi Magnaschi

Un film splendido, girato con ritmo ed intelligenza, utilizzando attori superlativi. Racconta vite tormentate che si dipanano, fra di loro aggrovigliate, in una storia che però, alla fine, è anche ottimista. E’ come spirito, non certo come tecnica, alla Frank Capra o alla Norman Rockwell, per intenderci. La vicenda è ambientata in una periferia desolata di una cittadina anonima del Massachussets, nell’America profonda, per intenderci.

La famiglia protagonista di questa vicenda è composta da una madre caterpillar (che non si arresta davanti a nessuno), da un marito fuco abituato solo ad annuire, da due figli maschi (il primo ex aspirante campione di pugilato, poi persosi sulle vie della droga che hanno finito per incastrarlo in un carcere; il secondo figlio invece, aspirante anche lui alle glorie del pugilato).

Ci sono poi sei sorelle di varia età anche se tutte tutte adulte. Questo caravanserraglio viene tutto mantenuto, prima, dall’ex campione finito dietro le sbarre (Christian Bale che, per questo suo ruolo, ha vinto, la scorsa settimana, il premio Oscar come attore non protagonista) e poi dal futuro campione (interpretato da Mark Wahlberg) che, per il momento, cerca di scalare la graduatoria pugilistica insaccando milioni di pugni, e intascando premi modesti, in incontri da due soldi, in giro per gli States.

Ad un certo punto, il pugile in carriera capisce che la sua famiglia mostruosamente ampia e famelicamente (ma anche, a suo modo, affettuosamente) attaccata a lui come un branco di piraña, lo sta soffocando. E decide quindi di sostituire la madre (Melissa Leo, anch’essa Oscar come migliore attrice non protagonista). La madre infatti pretende di fargli, pateticamente e velleitariamente, da manager, cercando, prima di interpretare e poi di trasferire sul figlio più piccolo, la maggiore esperienza del fratello maggiore sdentato che sta in carcere. Da qui però la decisione del figlio più piccolo di sottrarsi alla incompetente ma anche soffocante morsa famigliare e di affidarsi a un manager vero e proprio, capace di organizzargli gli incontri pugilistici che contano per fare carriera e in grado anche di fornirgli un allenatore idoneo a farlo progredire atleticamente.

Di fronte a questo abbandono, la famiglia resta inebetita. Le sorelle disoccupate si accorgono improvvisamente che, per loro, non ci saranno più nemmeno precarie certezze di un tempo. La famiglia si sbriciola. Ma, alla fine, il fratello drogato esce dal carcere, dice no alla vecchia compagnia degli spacciatori, ricuce la fiducia con il fratello minore e lo porta a diventare un grande campione. Sembra una storia inventata. Ed invece i titoli di coda dicono che è vera. Mah. Ad ogni modo è raccontata benissimo. Due ore di godimento vero.

14-03-11
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“Il gioiellino”, regia di Andrea Molaioli
con Toni Servillo, Remo Girone, Sarah Felberbaum, Fausto Maria Sciarappa, Lino Guanciale, Vanessa Compagnucci, Lisa Galantini**.



Il “Gioiellino”, nonostante un superbo Toni Servillo ed un’imperiale Sarah Felberbaum è un filmino. Robetta. Un telefilm, al massimo. Non capisco proprio, tanto per fare un esempio, l’entusiasmo senza freni del critico del Corriere della sera che, dopo aver dato, a questo film, il massimo punteggio, dice è tanto bello ed esplicativo che meriterebbe di essere fatto girare nella scuole come si faceva negli anni Cinquanta con il film di Santa Maria Goretti che diffondeva la virtù della verginità. Questo critico è evidentemente debole in filmologia o in finanza. O in entrambi.

“Il gioiellino” è un filmino perché è privo di coraggio. Temendo le diffamazioni (se utilizzassero questo criterio, i giornali uscirebbero senza gli articoli) il film, pur essendo dedicato al caso Parmalat, parla di una fantomatica Leda che, guarda caso, produce anch’essa il latte. E ambienta la vicenda, senza mai dirlo, peraltro, ad Acqui Terme. Di conseguenza, scompare dal caso Parmalat (qui detta Leda) l’ingrediente più esplicativo, cioè Parma stessa. Una città distinguibile da tutte le altre, avvinghiata a questa storiaccia industrial-finanziaria più di un boa costrictor a un bufalo nel fango. In questo film poi si vedono delle passeggiate in città dei coniugi Tanzi descritte come se fossero le compiaciute camminate con signora di un boss mafioso in una cittadina della Sicilia orientale, con deferenti omaggi dei passanti. ma quando mai, a Parma. Il regista Andrea Molaioli è poi è travolta dalla, alle volte gigionesca, personalità di Toni Servillo che si trasforma, da secondo personaggio, nell’interprete principale. Tanzi infatti è interpretato dal dimesso (anche se bravo, a suo modo) Remo Girone. Insomma il filmone è un filmetto. Essendo diluito all’inverosimile, produce una denuncia omeopatica.

Pierluigi Magnaschi, 14-03-11
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«Another year», regia di Mike Leigh con Jim Broadbent,
Ruth Sheen and Lesley Manville*****



di Pierluigi Magnaschi

L’incipit di questo film, che ne esprimerebbe l’essenza più profonda, avrebbe dovuto essere questo motto, un po’ cinico ma anche molto realistico: «La vita è come un corsa a ostacoli alla fi ne della quale tutti finiscono sconfitti». Another year è un film inglese perfetto in ogni suo dettaglio, essendo curato in ogni suo particolare. I protagonisti principali sono stati giovani fra gli anni Sessanta e Settanta. Stanno imboccando il rush fi nale, più stanchi che mai. Sono in pensione. Appesi ad un numero impressionate di birre, hanno esaurito i loro sogni. La storia (ma qui non c’è una storia; bensì un grappolo di incontri casuali mirabilmente incastrati fra di loro) si svolge nell’abitazione della periferia di Londra di Gerry (Ruth Sheen), psicologa, e del marito Tom (Jim Broadbent), già geologo oggi in pensione. Nella loro patetica villetta di periferia, circondata da orti che, giusto per ingannare il tempo, coltivano con passione e fatica (l’artrosi non fa sconti a nessuno, nemmeno in Inghilterra) si svolgono degli incontri fra amici. I due coniugi affiatati costituiscono una coppia simpatica e accogliente. E quindi finiscono per diventare il punto di riferimento di amici che hanno la stessa loro età, ma che sono sgangherati, come il vedovo Tom (Peter Wight), pancione senza ancoraggi, esistenzialmente allo sbando, anche se apparentemente autonomo. Di fatto, cerca disperatamente di costruire una nuova amicizia femminile e tenta di agganciare Mary (Lesley Maniville), una donna petulante, di poco più giovane di lui che, manifestamente, è alla ricerca, anch’essa, di un nuovo compagno ma che sia più giovane, più bello e più ricco di lei. Impresa molto improbabile ma che lei, con le sue immoderate ambizioni, costruisce con la fantasia, fissando, senza apprezzabili esiti, qualsiasi maschio decente le venga a tiro, in qualsiasi posto.

Il tentativo di Tom di agganciarla si traduce però in una formidabile tramvata che lo lascia tramortito. Mary, senza sapere che a lui non gliene frega nulla, punta invece gli occhi (e le aspirazioni) sul figlio della coppia ospitante e, quando si accorge che costui ha preferito fidanzarsi con una sua coetanea e per di più simpatica (Michelle Austin) è Mary che, questa volta, prende la tramvata in pieno restando tramortita. Another year è diviso in quattro parti, uno per stagione, dalla primavera all’inverno. Il pregio di questi film è che tutto, in esso, funziona perfettamente. La sceneggiatura è frizzante e sorvegliata. Gli attori sono sublimi (tutti, nessuno escluso). La regia è impeccabile. La fotografi a è di gran classe. Non ci sono sbavature, esagerazioni, ridondanze, compiacimenti. Le varie psicologie dei diversi personaggi si intersecano e reagiscono in un gioco sottile e complesso, fatto di incontri e di supplenze. Il tutto si svolge all’insegna del convincimento, introiettato, anche quando non ammesso esplicitamente, che, come alla roulette, les jeux sont fait, i giochi sono fatti. Bisogna solo attendere di vedere dove, alla fine, andrà a posarsi la pallina dell’ultima giocata mentre il piatto della roulette sta rallentando i suoi giri e gli occhi dei giocatori (o anche dei soli spettatori) sono in attesa di vedere la conclusione del gioco, sperando che vada bene.

25-02-11
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«Il discorso del Re», regia di Tom Hooper
con Colin Firth, Guy Pearce, Helena Bonham Carter, Timothy Spall, Geoffrey Rush, Jennifer Ehle, Derek Jacobi ***



Il film racconta una storia vera. Quella della terribile balbuzie di re Giorgio VI di Inghilterra e dei suoi sforzi per vincerla. Salito al trono imprevedibilmente, solo per l’indisponibilità dal fratello Edoardo VIII a occuparlo (preferì infatti sposarsi con una divorziata, Wally Simpson) Giorgio VI si trovò nella necessità di fare dei discorsi pubblici in un momento, la seconda guerra mondiale, in cui la popolazione i giovani combattenti avevano bisogno essere stimolati a resistere e a combattere. Da qui l’impegno a superare la sua menomazione con l’aiuto di un ciarlatano efficace. Il f lm è costruito sul fi lo di una suspence straordinaria basata sull’interrogativo: il re ce la farà a no a parlare in pubblico? Una ricostruzione esatta e affettuosa ma anche rigorosa. Realizzato con la disponibilità di grandi mezzi che non hanno annegato la freschezza umana della storia. Qui e là, certo, c’è qualche forzatura. Specie da parte del riabilitatore che, compiaciuto ruolo, volte si comporta come un oratore che si ascolta. Ma nel complesso, un signor film.

Pierluigi Magnaschi, 25-02-11

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“Il Grinta”, regia di Joel Coen, Ethan Coen
con Jeff Bridges, Hailee Steinfeld, Josh Brolin, Matt Damon, Barry Pepper, Paul Rae, Jarlath Conroy, Domhnall Gleeson,. ****



di Pierluigi Magnaschi

I fratelli Coen sono inarrestabili. Sono abituati a sformare un film all’anno. E, quasi sempre, producono dei capolavori. Questo, ad esempio, è un capolavoro. La storia non è nuova. Già nel 1968 (appena prima che scoppiassero i moti giovanili in tutto il mondo) arrivò nelle sale un film di grandissimo successo con John Wayne che era stato tratto dal medesimo libro.

Come diceva Cèline: “Ce qui compte, c’est le style, pas l’histoire” (ciò che conta è lo stile, non la storia). Ecco perché i Coen hanno fatto, partendo dal medesimo romanzo, un film totalmente nuovo. Semmai più fedele al testo di Charles Portis al quale si ispirava il film con Wayne e in forza del quale vinse il suo unico Oscar anche se, a quel tempo, l’attore guascone era già male in arnese, tanto che si disse che aveva recitato a cavallo di un destriero di legno perché uno di carne ed ossa lo avrebbe facilmente disarcionato.
“Il Grinta” è un film western molto particolare. Senza pellirossa, ad esempio. Se ne incontra uno solo, svagato, che si fa portare al piccolo trotto da un cavallo svogliato. Viene da non si sa e va dove non si capisce.

Questo film racconta la storia di una caccia all’assassino del padre di un’adolescente cocciuta (l’unica vera cow boy del film, è stato detto) che ha ingaggiato uno sceriffo (interpretato da un inarrivabile Jeff Bridges) vecchio, guercio e devastato dall’alcol ma che è ancora capace di colpire contemporaneamente, con la pistola, due monete da lui gettate in aria contemporaneamente. Ai due si aggiunge un Texas ranger (Matt Damon) anche lui sulle piste dello stesso assassino per conto dei famigliari di un senatore texano che era stato ucciso dal ricercato.

Il film inizia con una sequenza mozzafiato: la pubblica esecuzione per impiccagione, sulla pubblica piazza, di tre assassini. Non è possibile descriverla, questa scena. Bisogna vederla. Con i due condannati bianchi che, prima di morire, gridano le loro ragioni o il loro pentimento (e subito dopo il loro capo viene coperta da un sacchetto) e il terzo, indiano, che, mentre si appresta a dire la sua, viene subito incappucciato prima che possa dire qualcosa e, subito dopo, per tutti e tre, si apre la botola che li inghiotte nel nulla. Ma l’indiano, nel nulla, c’era anche da vivo.

E che dire dei paesaggi stupendi e struggenti ma mai leziosi o pleonastici. O della traversata di un fiume vasto e vorticoso da parte della giovane ragazza che, per non farsi seminare dallo sceriffo e dal ranger, che vorrebbero andare per conto loro e liberarsi da ciò che loro ritengono sia un peso in una missione difficile, li insegue gettandosi nel fiume con il cavallo che nuota con difficoltà, sempre al limite dell’annegamento. L’attraversata viene filmata, con sequenze sublimi, con gli occhi del cavallo, come se lo spettattore fosse lui a combattere contro le correnti ghiacciate del fiume.

Questo film è dominato da tre figure gigantesche di attori. La più grande è la piccola Hailee Stanfeld che è stata scelta tra i provini di 15 mila candidate, a dimostrazione che dietro ogni capolavoro c’è un lavoro immenso. Ne valeva la pena. E’ nata così una stella di assoluta grandezza. Poi, sempre straordinario, c’è Jeff Bridges, il vecchio guercio, che recita lo stesso ruolo di John Wayne che, nei suoi confronti, sembra un attore dilettante da filodrammatica parrocchiale. E infine (ma è il meno bravo dei tre; anche perché deve giocare di rimessa, oscurato degli altri due) c’è Matt Damon.

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“Un gelido inverno”. Regia di Debra Granik
con Jennifer Lawrence, John Hawkes, Kevin Breznahan, Dale Dickey, Garret Dillahunt, Shelley Waggener, Lauren Sweetser, Ashlee Thompson,. ****



Anche in questo film, urticantemente meraviglioso, bisogna dirlo subito, l’attrice principale è una giovane e irriducibile adolescente. Anche in questo caso essa va alla ricerca del padre, spacciatore da quattro soldi, che è stata assassinato (anche se non si è trovato il corpo) e di coloro che lo hanno ucciso.
La vicenda si sviluppa in una comunità rurale, di fango e letame, come se ne trovano solo, oggi, negli angoli più remoti degli Stati Uniti,in località fuori mano, isolate, lontane dalle grandi città. Dove gli uomini vivono da animali e, spesso, assieme agli animali. E dove i rapporti fra le persone sono tessuti sulla trama dell’appartenenza ai clan famigliari ( o delinquenziali) e sono sempre basati sulla forza e quindi sulla sopraffazione usata o anche solo esibita.

Gli attori, e non solo la ragazzina, sono assolutamente convincenti. Si muovono come mandrie di bovini, spingendo, accavallandosi, tremando e sopraffacendo. Questo mondo belluino si scioglie ( e sembra umanizzarsi) solo la sera, dopo cena, al suono metallico dei bangio e con la voce vellutata e rugosa di una vecchia donna cicciona che ti avvolge in una nostalgia struggente di non si sa che cosa e in un’umanità indicibile .

Pierluigi Magnaschi, 25-02-11
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“2001 Odissea nello spazio”




di Pierluigi Magnaschi

Ho rivisto il film “2001 Odissea nello spazio”del ’68, di Stanley Kubrick, ispirato al racconto “La sentinella” di Arthur Clarck. Film di smisurate ambizioni intellettuali e artistiche, in parte ridimensionate col tempo. Era un periodo in cui avevo cominciato a documentarmi sul ruolo dei persuasori occulti negli Usa, in particolare divoravo Vance Packard. Nel film di Kubrick, i personaggi “umani” apparivano degli sprovveduti, mentre il vero protagonista era il gigantesco supercomputer “Hal 9000”, umanamente simpatico, anche per l’aspetto dell’adolescente brufoloso e goffo. Kubrick voleva insinuare che, dopo qualche generazione, il potere sarebbe passato ai supercomputer. Mi ero convinto che Kubrick, al di là della sua supponenza intellettuale, si fosse fatto finanziare dal beneficiario finale e occulto del film, l’IBM. La stessa che, negli anni ’80, ha sostituito “Hal” con “Deep Blue”, che battè il grande campione di scacchi Kasparov. Il nuovo “Hall” si chiama ora “Watson” e l’IBM lo usa per partecipare a “Jeopardy”, il telequiz americano più popolare. Salvo un errore (ha confuso Chicago con Toronto), ha sbaragliato i due campioni storici, gli umani Jennings e Rutter. Che tristezza vedere i supercomputer-umani che, da nostri leali aiutanti per scoprire nuovi mondi, si riducono, invecchiando come noi, a partecipare oggi ai quiz, domani ai talk show.

21-02-11
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“Biutiful”, regia di Alejandro González Iñárritu
con Javier Bardem, Blanca Portillo, Rubén Ochandiano, Félix Cubero, Martina Garcia, Manolo Solo ****



di Pierluigi Magnaschi

La storia raccontata da questo film si svolge nei bassifondi di Barcellona. Il protagonista è un marginale che sta in bilico sulla vita, vivendo di espedienti. Tiene i rapporti, ad esempio, fra la polizia (che si fa pagare per chiudere un occhio; anzi entrambi) e gli imprenditori cinesi senza scrupoli che sfruttano in nero decine di connazionali legati alla catena delle macchine da cucire e costretti a vivere, e a dormire, ammassati per terra in un capannone come se fossero in una trincea.
Sua moglie è una svampita che si vende di sua iniziativa, in ambienti violenti, dove scola champagne ma dove anche viene massacrata e considerata nulla ma che, nei confronti dei due figli quasi adolescenti (una ragazza e un ragazzo) sente, da lupa ferita qual è, come una sorta di richiamo della foresta, immotivato ma anche irresistibile.
Di tanto in tanto quindi ritorna a casa dove i due giovani figli della coppia sono lasciati a se stessi, in un’abitazione-tugurio fino a ora tarda. La loro madre , sia pure a corrente alternata, si sente mamma, nonostante la vita abbrutita che fa. Ma la sua psiche è intrisa di violenza per cui, alla prima reazione o resistenza da parte del suo bambino, lo riempie di botte. Per cui, al suo ritorno a casa, il marito la ributta fuori di casa come se fosse uno straccio per pulire i pavimenti .
La storia si dipana fra la comunità dei cinesi rassegnatamente costretti ai lavori forzati nell’angiporto di Barcellona, a 8 mila chilometri da casa, e la comunità nera degli immigrati clandestini che vende cianfrusaglie fra le strade affollate e chic della movida, stando sempre in allerta, come se fossero delle lepri in una riserva, con le orecchie alzate, in attesa della muta angosciantemente abbaiante dei cani o della fucilata secca e per loro fulminante. Lo scoppio è già, per le loro orecchie finissime, un annuncio di morte che arriverà una frazione di secondo dopo.
Anche i vo’ cumpra’ neri sulla ramblas sono in attesa delle retate della polizia. L’inseguimento dei venditori abusivi da parte della polizia spagnola che ha chiuso tutti i varchi è così efficace e angosciante da far sentire braccato anche lo spettatore. Il regista si muove con maestria e partecipazione fra questi relitti umani. Il suo, però, non è un film di denuncia ma di registrazione. Descrive l’altra faccia della mondializzazione. Parla di quella parte di società che non viene irrorata dai bonus milionari dei finanzieri d’assolto ma che è scorticata da tensioni non solo indomabili ma nemmeno controllabili, perché troppo complesse e con radici troppo lontane per poter essere individuate ed eventualmente corrette. Una mondializzazione, questa, che rende gli uomini ancor più feroci fra di loro. Specie i più modesti e i più lontani dal malloppo. Fra i quali però, sia pure fra violenze, sbornie e sopraffazioni si intravedono anche, quì e là, sprazzi di un’umanità dolente e persino solidale che il regista di questo film (un film duro, scostante, difficile da digerire) sa rendere al meglio, in modo sublime.

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“Gianni e le donne”, regia di Gianni Di Gregorio
con Gianni Di Gregorio, Valeria Bendoni, Alfonso Santagata, Elisabetta Piccolomini, Valeria Cavalli, Aylin Prandi, Kristina Cepraga, Teresa Di Gregorio, Lilia Silvi, Gabriella Sborgi, Silvia Squizzato***



di Pierluigi Magnaschi

Il regista Gianni Di Gregorio è l’esempio vivente di come non funzioni, in Italia, il sostegno alla cinematografia. Infatti ha debuttato solo a 60 anni, dopo decenni di sceneggiature, facendo la regia di un film veramente bellissimo, dal titolo “Pranzo di Ferragosto” che, girato con mezzi artigianali e costato una manciata di euro, non ha preso nemmeno un euro di contributi pubblici e ciò nonostante si è affermato all’attenzione della critica internazionale più esigente. I soldi a sostegno del cinema infatti servono solo a foraggiare le solite conventicole romane composte sempre dalle stesse persone all’ombra dello stesso politico.
Adesso, Di Gregorio ritorna, con più mezzi, alla carica con un film delizioso. Che ha un solo, anche se grave, difetto, agli occhi di chi ha visto il suo precedente film: gran parte del secondo tempo riprende i temi, recitati addirittura delle stesse anziane attrici (peraltro bravissime, specie l’inflessibile madre del protagonista), che erano stati sviluppati nel suo film di debutto.
La spiegazione di questa scelta, altrimenti inspiegabile, è duplice. La prima (che sarebbe demoralizzante) è che il regista non aveva in serbatoio benzina sufficiente per concludere in modo originale questo suo secondo film. La seconda (più comprensibile) è che Di Gregorio voleva proporre ai nuovi spettatori il vecchio tema, dai lui sviluppato magistralmente, della tirannia delle vecchie signore sui non più giovani figli, visto che il suo primo film era stato proiettato in un numero ridotto di sale:
Resta il fatto, indubitabile, che il film è davvero delizioso. La storia è leggera e divertente. Non si ride a squarciagola ma si continua a sorridere dentro di sé durante l’intera proiezione del film. Speriamo che, al suo prossimo film, Di Gregorio, che ha tutti i mezzi per volare in altre storie, decida di contare sulle sue forze che sono cospicue. Di Gregorio è un grande sceneggiatore, un grande regista, un immenso attore. E questo è un film da non perdere. 

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“Immaturi”, regia di Paolo Genovese
con Ambra Angiolini, Raoul Bova, Ricky Memphis, Luca Bizzarri, Barbora Bobulova, Paolo Kessisoglu, Anita Caprioli. **



Non so se Paolo Genovese sia cresciuto facendo la regia degli spot televisivi, specie di quelli bucolico-intimistici, dedicati alle merendine, al latte scremato, all’olio d’oliva che ti fa saltare le staccionate, agli spaghetti. Si sì, lo si vede dal come ha costruito questo film. Se no, si dedichi agli spot tv di questo tipo che rendono molto di più.
Questa però non è una critica ma una semplice constatazione: “Immaturi” è un filmetto leggero come un acqua minerale non gassata di alta fonte. Scorre vivacemente, birichino e senza appesantimenti. E’ stato costruito, nel montaggio, attraverso rapidi siparietti, aggiunti l’uno all’altro come le perle di plastica di una collanina estiva. Ogni siparietto contiene una mini storia che, alle volte, si riduce ad una battuta, una gag.
Insomma un film carta velina, molto televisivo che però ti distrae e, qualche volta, ti strappa un sorriso. Vedo che in questi giorni esso i giornali, sempre alla ricerca di filoni che spesso non esistono, viene assimilato, in un certo modo (molto in un certo modo, a dire il vero) al film di Checco Zalone (“Che bella giornata”) o a quello di Antonio Albanese (“Qualunquemente”). Il paragone è offensivo nei confronti di “Immaturi” che è un film leggero ma non stupido. Lavora su un materiale narrativo che non è destituito di fondamento. Evita di giocare sull’effetto delle parolacce in dolby surround e riesce a mettere assieme personaggi diversissimi, uniti solo dal fatto di essere generazionalmente omogenei. Insomma un film didascalico, spesso prevedibile ma anche sereno e piacevole. Non passa sicuramente alla storia ma ti tiene simpaticamente compagnia per un paio d’ore.

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"La Donna che canta", regia di Denis Villeneuve
con Lubna Azabal, Mélissa Désormeaux-Poulin, Maxim Gaudette, Rémy Girard, Abdelghafour Elaaziz, Allen Altman, Mohamed Majd, Baya Belal****



DI PIERLUIGI MAGNASCHI

Un film grandioso che prende allo stomaco, lo dico subito. Ma anche stupendo. Girato con un magia rara da un regista immenso, che si avvale di attori quasi sconosciuti e pur tuttavia bravissimi. E’ la discesa agli inferi di una giovane e di un giovane francesi di lontana origine libanese che, all’apertura del testamento della madre stramba che li ha fatti a lungo soffrire entrambi, scoprono di avere in Libano un padre ed un fratello. La madre, attraverso il testamento, ingiunge loro di scoprire dove sono e di consegnare loro una sua lettera in busta sigillata. Solo dopo potrà essere sepolta in una tomba regolare con le sue generalità sulla lapide.
Il film è la storia di questa ricerca senz’alcun indirizzo, fatta a carponi. In un Libano diffidente e lacerato. Formicaio di anime in pena. Pieno di crudeltà e di divisioni. Questo però non è un film ideologico. Non cerca responsabilità ma descrive situazioni. In questo film infatti non ci sono colpevoli o innocenti. Tutti, in qualche misura, sono, allo stesso tempo, carnefici e vittime. Dipende dal momento o dal punto di vista.
Certo è anche un film senza speranza, nonostante il microscopico lieto fine. Se stai laggiù, in quel paese che è un faglia in continuo sommovimento, sei fritto, annientato, senza futuro e con un presente da tragedia permanente.
Vedendo queste immagini, seguendo questi eventi, scopri la fortuna (alla quale forse non avevi mai pensato) che ti è capitata per il solo fatto che sei nato tremila chilometri più in qua. Se tu, anziché in Italia, fossi nato in Libano (o in Irak, o in Algeria, o in Afghanistan, o, o , o…) adesso saresti sballottato da eventi che ti sovrastano, ferito da bombe che non ti riguardano, violentato da persone che non credono più in nulla, incarcerato dai tuoi nemici, e anche dai tuoi amici, con sentenze senza fine e pene quotidiane.
Essendo questa vicenda ambientata in un paese prevalentemente musulmano, ti aspetti di essere coinvolto nella feroce crudeltà dei fondamentalisti islamici che odiano cosi tanto la vita (prima ancora che gli altri) che si annientano da soli, facendosi scoppiare con il sorriso sulle labbra e la speranza nel cuore, come se si lanciassero dentro uno stimolante e adrenalinico ma anche inoffensivo cerchio del fuoco. Invece si vedono in azioni le brigate cristiane, in tutto e per tutto simili, per facce, vestiti, crudeltà e ferocia, a quelle musulmane. Il regista gioca sul’equivoco. Non gli interessa attribuire la ferocia ad un gruppo. Qui, pare dire, nessuno è innocente. Di tanto in tanto si intravede, per un attimo, una piccola croce al collo di un guerrigliero che tu credevi fosse arabo. Denis Villeneuve scivola fra le fazioni e le generazioni, immerge la sua macchina da presa nelle periferie disperanti delle grandi città corrose dall’incompiutezza degli edifici e la punta su volti, gesti e mani. Su uomini e donne travolti da una corrente più forte di loro. Uno tsunami ideologico, sociologico, culturale, economico. Che non è governato da nessuno e che investe tutti.

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“Vallanzasca”, regia di Michele Placido
con Kim Rossi Stuart, Valeria Solarino, Filippo Timi, Gaetano Bruno, Francesco Scianna, Paz Vega, Moritz Bleibtreu, Federica Vincenti, Lino Guanciale, ***




di Pier Luigi Magnaschi

Il sottosegretario ai Beni culturali, Francisco Giro, pdl, che pure è, oltre che un parlamentare intelligente, anche un apprezzato cinefilo, nell’anticipare, all’ultimo Festival del Cinema di Venezia, l’indisponibilità del suo ministero a finanziare questo film, aveva detto. “Michele Placido è un regista mediocre che fa brutti film. Sono convinto, senza averlo visto, che ‘Vallanzasca’ sia il solito fumettone, un prodotto della fiction a tutto costo, una replica furba e malriuscita di ‘Romanzo criminale’ trasferita da Roma a Milano”.

Ora, chi non ha visto un film, e lo ammette anche, non può giudicare un film. Io, ad esempio, sono andato a vedere “Vallanzasca” e l’ho invece trovato un film davvero eccellente, se non altro perché si avvale di un attore come Kim Rossi Stuart che, in questa pellicola, si conferma come il miglior attore cinematografico italiano del momento. La sua interpretazione di Vallanzasca è infatti superlativa. Del bandito, Rossi Stuart rende la sua complessità e la sua contradditorietà. Grazie a una sceneggiatura con i fiocchi inoltre, Rossi Stuart parla il vero linguaggio di Vallanzasca, sintatticamente milanese, con qualche inflessione locale qui e là, ma senza le accentuazioni esagerate alla Jannacci quando interpreta la mala degli anni Cinquanta.

Ma “Vallanzasca” è un film educativo o corrompente? E questo infatti il quesito sul quale si è svolto l’acceso dibattito fra coloro che non lo avevano visto. Dibattito che è improvvisamente cessato non appena il film è arrivato nelle sale, non so se perché i contendenti si erano stufati dell’argomento o se perché, visto il film, l’interrogativo si è dimostrato insulso.

A parte il fatto che uno spettatore adulto non va a vedere un film per farsi educare e a parte anche il fatto che un film su un bandito non è come quello di Santa Maria Goretti, c’è da dire che questo è anche, a suo modo, un film educativo, nel senso che, narrando la sciagurata vita di Vallanzasca, fa capire come si può sprecare una esistenza intera, seminando lutti nelle famiglie degli altri e, nello stesso tempo, distruggendo la propria vita. Vallanzasca infatti ha passato 37 anni della sua esistenza in carcere. Spesso in condizioni molto dure, peraltro giustificate dalla sua belluina ed imprevedibile aggressività che non consentiva mai ai secondini di abbassare la guardia. E, anche adesso, Vallanzasca, dopo 37 anni di carcere, è in regime di semilibertà.

Si sarà divertito (ammesso che ci si diverta a fare il bandito, sempre con il cuore in gola e sul filo del rasoio) per sedici anni (dal 1972 al 1984, gli anni delle sue gesta criminali) ma poi ha anche finito per pagare un conto devastante. E il film, questa punizione, l’ha mostrata ampiamente. Ma il film è bello soprattutto perché è riuscito a scavare, con grande introspezione psicologica ed efficacia narrativa e visiva, in una persona complessa e in un ambiente difficile. Vallanzasca era un animale feroce. Pronto a fare le fusa ma, un attimo dopo, senza nessun preavviso, a sbranare quella che lui riteneva fosse diventata la preda. Un uomo disposto a tutto, il bel René. In automatico. Senza pensarci. Disposto ad ammazzare o a sfigurare senza indugiare un attimo, se gli serviva o se gli conveniva. O a torturarsi profondamente con un rasoio come se infierisse su un corpo altrui. Rossi Stuard rende la duplicità (almeno) di Vallanzasca, con una recitazione complessa e sempre sorvegliata. Il magrolino belva. L’uomo del quale tutti debbono temere. E, sullo sfondo, c’è la Milano bonaria, del miracolo economico fatto di sudore, fatica, e valige di cartone che, per la prima volta, nel dopoguerra, si misura con i gangsters. La stampa li chiamava così, all’americana, quasi per prenderne le distanze. Gente non nostra. Che spara come nei film di Al Capone e che, ciò nonostante, la polizia stracciona di quel tempo e la magistratura milanese riuscirono a neutralizzare. Un gran bel film, anche se non vi piace il noir perché questo è un film che parte dal noir ma che poi lo supera per raccontare un’epoca.


28-01-11
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“Kill me please”, regia di Olias Barco
con Aurélien Recoing, Virgile Bramly, Daniel Cohen, Virginie Efira, Bouli Lanners, Benoît Poelvoorde, Saul Rubinek, Zazie De Paris***



Il film parla dei pazienti di una clinica dove si pratica il suicidio assistito. Un film in bianco e nero. Popolato di personaggi che, per i più vari motivi, hanno deciso di mettere fine ai loro giorni. Tutti vogliono morire in fretta ma anche senza soffrire. Ma la procedura esige i suoi tempi anche per poter coltivare i suoi alibi. Il mefistofelico capo della clinica e i suoi clienti turbati sono rappresentati con con rara efficacia. E anche l’atteggiamento dei pazienti in bilico fra il desiderio di essere amati e quello di annientarsi, viene reso con rara efficacia. Se non fosse per il finale (in cui, per dimostrare che quando la vita è a rischio sul serio i suicidi temono la morte, entrano in azioni dei giustizieri con i fucili a pompa per annientare tutto il personale della clinica) un finale che paga un pesante tributo alla spettacolarizzazione che fino a quel punto non si era vista, questo sarebbe un assoluto capolavoro. Il regista infatti lavora di cesello i volti, le personalità, le storie per capire la sofferenza ma anche il narcisismo e per descrivere la complessità di vivere e di confrontarsi con se stessi.

Pl.Mag., 28-01-11
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“Hereafter” Regia di Clint Eastwood
con Matt Damon, Cécile De France and Bryce Dallas Howard . ****  



di Pierluigi Magnaschi

Diavolo di un Eastwood. Ogni suo film è un poker d’assi. Non solo. Ogni suo film è anche  radicalmente diverso dai precedenti. Da questo punto di vista, solo Stanley Kubrick, gli tiene testa. In fondo, ad esempio, Federico Fellini, che pure è stato un grandissimo regista, ha invece  girato un solo grande film: “Amarcord” di fronte al quale, i film precedenti, erano solo delle tappe di avvicinamento verso questo autentico capolavoro. Tant’è che, dopo “Amarcord”, tutta la sua successiva filmografia si è ridotta alla ricerca disperata di un diverso appiglio tematico e narrativo che non è più riuscito a trovare, ad un livello di pari eccellenza, perché Fellini è stato essenzialmente ed intrinsecamente, un regista autobiografico: una volta illustrata al meglio la sua giovinezza in una Romagna trasfigurata dalla sua immaginazione, Fellini è rimasto a secco di temi e di argomenti. “Hereafter” è un film sui poteri che si dicono a magici o soprannaturali. Il film racconta tre storie che, tematicamente, anche se da lontano, si incrociano fra di loro. Esse riguardano due traumi e un potere ritenuto assolutamente inspiegabile.

I traumi sono quelli di Marie, una giornalista francese molto nota nel suo paese perché conduttrice di un trasmissione giornalistica di successo, che, durante una vacanza in Estremo oriente con il suo compagno, incappa e viene travolta da un terribile tsunami ma, quando era già stata data per morta dai suoi soccorritori, riesce a sopravvivere all’incidente. Il secondo trauma riguarda Marcus, un ragazzino inglese che perde in un incidente stradale il fratello gemello con il quale viveva in simbiosi e viene sottratto anche alla mamma gravemente tossicodipendente e incapace di provvedere anche solo se stessa. Il terzo protagonista del film è George, un operaio americano in grado di vedere al di là della vita e di mettere i sopravissuti a contatto con i morti. Dopo aver messo a frutto questa sua dote, ed essere diventato un personaggio di successo, decide di troncare questa attività.  

I tre, pur vivendo vite diverse, in paesi differenti, finiscono per trovarsi a Londra in occasione della presentazione del libro della presentatrice tv. In quelì’occasione  nasce l’amore fra Marie e George mentre Marcus viene restituito all’effetto della madre. Questo happy end può far pensare che questo, sia un film al rosolio, una sorta di “Anonimo veneziano” . Niente di più diverso. Non è nemmeno un film sui poteri paranormali, che pure descrive, tant’è che, alla fine, i tre li rigettano per poter vivere una vita normale. Ma è anche un film con tutti questi ingredienti. E’ cioè un film finissimo, delicatamente complesso. Per far passare alla storia questo film e il suo regista, basterebbero, e avanzerebbero, i dieci minuti iniziali dedicati allo tsunami. Marie sta svogliatamente contrattando su un mercatino orientale l’acquisto di bigiotteria. Si sente un tuono sordo. Dietro le bancarelle si intravede un’onda lontana che però potrebbe anche essere una nube bassa. Nessuno, sul mercatino, si preoccupa. Poi, si vede un’onda che avanza, ma lontano dalla costa. Questa investe una nave gettandola in aria come se fosse un turacciolo. A questo punto, la gente che sta nel mercatino a qualche centinaio di metri dalla costa, resta bloccata. Interrogativa, più che impaurita. Si domanda che cosa stia succedendo.

Quando i turisti e l gente del posto si accorgono che l’onda si sta abbattendosi sulla costa, essi si rendono finalmente conto che può investirli e quindi si mettono a correre verso l’interno, tutto sommato convinti di farcela a schivare la piena che invece li bracca, li raggiunge, li ghermisce, li rotola, li spinge in un delirio di vortici, fra case che si schiantano, pali che crollano, fili che si aggrovigliano, corpi che vengono spinti in ogni direzione. Nessuno, avendo letto le pur ampie cronache scritte sull’ultimo grande tsunami in Estremo Oriente ed avendo visto le sequenze amatoriali più drammatiche che a quel tempo furono diffuse da tutte le tv, si è mai reso conto di questa devastazione senza scampo come può farlo con questo film . Con “Hereafter” infatti lo spettatore viene trasformato in attore di questa devastante  tragedia, con una tecnica cinematografica sopraffina ma soprattutto con una capacità di narrazione sublime, ben diversa da quella dei film rovinografici che sono fatti per impaurire e non per far capire, rivivendo.

24-01-11
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“American life” Regia di Sam Mendes
con John Krasinski, Maya Rudolph, Maggie Gyllenhaal, Jeff Daniels, Carmen Ejogo, Jim Gaffigan, Josh Hamilton, Cheryl Hines, Melanie Lynskey, Allison Janney, Chris Messina, Catherine O'Hara, Paul Schneider. ***



Una coppia di trentenni americani (che Tommaso Padoa Schioppa avrebbe definito “bamboccioni”), in attesa di un bebè, intraprende un giro negli Stati Uniti, tra parenti ed amici, per individuare il luogo ideale nel quale far nascere ed allevare il loro piccolo. E’ un viaggio fra patologie, nevrosi, rassegnazioni, allucinazioni. I due non sono degli hippie che vogliono contestare il mondo degli adulti, che desiderano costruirne uno nuovo, che decidono di immettersi in un tunnel di droghe più o meno dure. No, questi, sono dei velleitari rassegnati. Sono alla ricerca di un posto. Non di un lavoro. Sono pieni di idee basate su pulsioni vaganti, confuse, senza alimento. Vogliono essere liberi ma a spese (o sulle groppa) di altri. Non lo fanno sfrontatamente come le generazioni precedenti che, a loro modo, erano aggressive, ma lo fanno tacitamente e implicitamente, come se facessero  l’autostop. Fanno un segno ai bordi della strada. Sperano di intenerire o, quanto meno, di incuriosire gli automobilisti di passaggio. Salgono e, se trovano uno che li fotografa mentre partono, fanno anche ciao ciao con la mano. Sono serenamente scoppiati. Cercano la luna nel pozzo. Spensieratamente. Ma andranno a sbattere. Anche se questo epilogo, il film, non ce lo racconta. 

Pl.Mag., 24-01-11
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“Che bella giornata”, regia di Gennaro Nunziante
con Checco Zalone, Tullio Solenghi, Ivano Marescotti, Rocco Papaleo, Nabiha Akkari. *




di Pierluigi Magnaschi

Il consiglio, lo dico subito, e senza tentennamenti, è: lasciate perdere. Questo è un film da cui stare alla larga. Chi mi segue in questa rubrica, sa che non sono un appassionato di film pallosi e pretenziosi. Consideravo che fosse una robetta “La corazzata Potemkin” vent’anni prima che Paolo Villaggio urlasse che questo film era “una boiata pazzesca” chiudendo così, finalmente e definitivamente, un’epoca culturalmente ingessata e tragicomica . I film di Michelangelo Antonioni poi, davanti ai quali si sono addormentate intere generazioni di giovani italiani miei coetanei (che ne discutevano appassionatamente, trovando, in tali film, messaggi subliminabili che non c’erano) non sono mai stati, come dicono gli inglesi, la mia tazza di tè. Per contro, all’ultimo film di Carlo Verdone (“Io, loro e Lara”) non ho esitato a dare quattro stelle. E l’ultimo film di Carlo Vanzina “La vita è una cosa meravigliosa” ha trovato il mio elogio, guadagnandosi tre stelle di apprezzamento.

Questo per dire che non sono prigioniero né dei generi, né dei registi. Ciò premesso, e ciò nonostante, il film “Che bella giornata” con Checco Zalone rientra nella categoria dei film impresentabili. Sono andato a vederlo perché, chi segue i film, non può permettersi di trascurare una pellicola che ha fatto il record di incassi in Italia fin dalla sua prima settimana di proiezione. Ci sona andato, lo confesso, prevenuto (anzi, diciamo meglio: diffidente). E ne sono uscito indignato.

Il pienone di spettatori che ha realizzato questo film deve essere dovuto alla popolarità del protagonista, all’abile e generosa campagna di lancio (specie in tv) ed alla massiccia e contemporanea presenza della pellicole nelle sale più appealing. A giudicare dalle pochissime risate (che dovrebbero invece essere normali in un film che ha la pretesa di essere comico) rilevo che la mia delusione è condivisa dagli spettatori che, nella proiezione da me vista, erano peraltro sparuti (mentre “La versione di Barney”, il giorno dopo, in una sala vicina, ha fatto l’esaurito)

In “Che bella giornata” non c’è nulla che funzioni. Checco Zalone recita monotamente se stesso, un Forrest Gump più handicappato che ridicolo. Recita in modo monotono e prevedibile, ripetendosi come un disco rotto, come si fa nelle compagnie dialettali di oratorio. La sceneggiatura non lo aiuta perché non esiste. Pensate che la battuta più esilarante è quando Zalone, a un gruppo di terroristi islamici che gli sono entrati in casa e che lui, ignaro dei loro obiettivi, tratta come dei compagnoni, chiede: “Voi vivete nell’Islam?” suscitando la fragorosa ilarità dei terroristi e il gelo in sala. I terroristi, quando hanno finito di ridere e di darsi di gomito, precisano: “L’Islam non è un paese ma una religione”. Allora Zalone (che evidentemente è l’unico scemo del villaggio che improvvisamente si dimostra capace di costruire antinomie) precisa: “Beh, lo dicevo perché io sono nato a Cattolica”. Su questa battuta però, non ridono né i terroristi che recitano nel film, né il pubblico in sala.

Altra battuta: “A un certo momento mi si accende davanti una luce abbagliante. Veniva dal cruscotto e mi diceva che la benzina era finita”. Per non parlare del fatto che il padre di Zalone, un 75enne male in arnese, viene presentato come un soldato che è appena tornato dall’Afghanistan senza tener conto che, per fare queste missioni, un 40nne è già considerato decrepito.

Che dire poi di un bamboccione senz’arte né parte (sempre Zalone) che, dopo aver fallito tre concorsi da allievo carabiniere e che poi è riuscito a farsi assumere come vigilante precario dal Duomo di Milano, che riesce a girare in auto sportiva decapottabile e dispone di una villa smisurata, da nababbo, in riva al Naviglio? E che dire ancora di una cinquantina di donne sui sessant’anni (amiche della madre di Zalone) che si riuniscono in una corte lombarda (nel 2010!) per implorare insieme la Madonna affinché Zalone venga assunto dai carabinieri? Insomma questo un film che non sta assolutamente in piedi. Pollice verso.

21-01-11
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“La versione di Barney”, regia di Richard J. Lewis.
Con Paul Giamatti, Dustin Hoffman, Minnie Driver, Rosamund Pike, Rachelle Lefevre ***



Un film non perfettamente riuscito ma anche urticantemente gradevolissimo che il regista del film con Zalone dovrebbe andare a vedere per vergognarsi (almeno un un poco) e per riuscire a capire come si fanno i film. “la versione di Barney” non è completamente riuscito perché il libro su Barney è un pout pourri troppo intrigante e complesso per poter essere riproposto senza ecchimosi in un film. Sarebbe come voler filmare “La divina commedia”. Da un capolavoro si otterrebbe una storiella. E poi è un film dal quale, se si tolgono le scene dell’ingollamento di qualsiasi tipo di alcolico, durerebbe la metà .

Detto questo, il film, se non si fa riferimento al libro dal quale è derivato, il film è diretto con straordinaria maestria, si avvale di attori strepitosi fra i quali, in una parte secondaria, c’è un superlativo Dustin Hoffman, quasi irriconoscibile nel ruolo del padre di Barney che è un incontrollabile poliziotto in pensione. La famiglia ebrea della seconda moglie di Barney è resa in un modo impeccabile con pennellate rapide ed esaurienti nella pazza cerimonia di nozze che, da sola, vale l’intero film. per non parlare di Barney stesso e dell’impeccabile terza ed ultima moglie, l’unica, assieme ai due figli, che non va alla deriva.

Pierluigi Magnaschi, 21-01-11
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“We want sex” (Made in Dagenham), regia di Nigel Cole
con Sally Hawkins, Bob Hoskins, Miranda Richardson, Rosamund Pike, Andrea Riseborough, Daniel Mays, Jaime Winstone.****




di Pierluigi Magnaschi

Ho visto questo film nell’ultimo spettacolo della giornata, con inizio alle 22 e 30 subito dopo il mio lavoro al giornale. Sono salito su un taxi guidato da un giovane milanese, sveglio e curioso. Sapendomi un giornalista sono stato da lui interpellato sulla situazione politica interna, economico-finanziaria e su quella internazionale. Il ragazzo era sveglio ed informato. Le mie risposte lo soddisfacevano. Era felice, credo, da parlare con una persona informata e mi teneva, suppongo, in grande considerazione. Il taxi si ferma proprio davanti alla sala cinematografica che aveva una gigantografia illuminata con il titolo, in bella vista, dell’unico film in programmazione: “We want sex”. A quel punto il taxista, che evidentemente conosceva l’inglese, mi fa un sorrisino complice e furbetto e mi dice: “Dottore, finalmente, dopo tanto impegno, si va a rilassare un poco. Con il sex, mi creda, non si sbaglia mai”. E parte, lasciandomi di sasso.

Il bello è che questo film dal titolo imbarazzante, non parla assolutamente di sesso. O, almeno, non nel senso capito dal giovane tassista e da tutti coloro, ovviamente, che leggessero un titolo del genere. Per fare il titolo accalappiagonzi e che, nello stesso tempo, avesse un minimo di giustificazione (sia pure fuorviante) il produttore si è espirato a uno striscione delle scioperanti nella fabbrica inglese della Ford che, mentre veniva aperto, lasciava leggere “We want sex”, cioè vogliamo sesso e poi, quando era stato dispiegato completamente, comunicava: “We want sex equality”che significa: non vogliamo essere discriminate sessualmente.

Questo film infatti è dedicato alla battaglia iniziata nel 1968 da parte delle sole 187 operaie (su decine di migliaia di addetti) della fabbrica Ford di Dagenham (Essex, Gran Bretagna) che avevano deciso di non tollerare di essere pagate il 30% in meno degli operai maschi anche se, facendo il rivestimento dei sedili, svolgevano dei lavori che comportavano più elevante abilità che non quelli alla catena di montaggio dove bastava stringere un bullone o inserire un pezzo. Questa lotta si concluse positivamente nel 1970 (e poi ci si meraviglia che le donne non siano considerate nei paesi arabi!) con il raggiungimento dell’obiettivo che, a parità di lavoro, deve corrispondere la stessa, identica, retribuzione.

Un film di questo genere poteva facilmente degenerare nella retorica mielosa, descrivendo le scioperanti come delle eroine senza paura, i dirigenti multinazionali della fabbrica come della sanguisughe, i sindacalisti maschilisti come dei venduti, i politici in carica come degli impresentabili opportunisti. Nulla di tutto questo. Il regista Nigel Cole ha la mano leggera nel raccontare i fatti. Entra nella vicenda con gli occhi aperti. Cerca di capire e di far capire che cosa è successo e perché è successo, proprio in quel momento e in quella precisa fabbrica. Il regista si infila nelle complesse relazioni economiche, politiche, sindacali, umane e di costume di quel tempo, come se fosse un invisibile furetto. Tesse una rete narrativa fitta, usando attrici superlative. Prima rassegnate, poi impaurite per gli effetti creati dalla loro protesta (l’intera fabbrica, con decine di migliaia di dipendenti, per assenza di sedili per le auto, si fermò) ma infine anche sempre più determinante a portare a casa un risultato per tutte le donne inglesi mentre i manager della multinazionale vengono proiettati su Londra per impedire questo cedimento che, se fosse avvenuto, dicevano, si sarebbe poi diffuso a livello mondiale. Il che è avvenuto.

Le operaie descritte da questo film hanno fatto di più, per la dignità e l’interesse delle donne, che non l’intero ’68 caciarone e borghese messo assieme. Quest’ultimo infatti usava le ragazze per fare i ciclostilati e, quando andava bene per i rivoluzionari al babà, anche per fare le cose che ingolosivano il mio giovane taxista nell’imbronciata notte milanese.

17-12-10
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“Il responsabile delle risorse umane”, regia di Eran Riklis
con Mark Ivanir, Guri Alfi, Noah Silver, Rozina Cambos, Julian Negulesco. ****



Un film israeliano-rumeno. Una giovane ingegnera rumena che si era rassegnata a fare l’operaia in una fabbrica israeliana di brioches, rimane uccisa in un attentato terroristico. La fabbrica di brioches non si accorge della morte della sua operaia che viene quindi lasciata in una camera mortuaria. Per evitare che lo scandalo di questa imperdonabile indifferenza (messo in pagina da un giovane cronista che vuole farsi largo) danneggi la società, la presidente della fabbrica incarica il suo responsabile delle risorse umane, di accompagnare la bara dell’operaia assassinata in Romania per darle, almeno, senza badare a spese, un’adeguata sepoltura. Questo pretesto consente al regista Riklis di descrivere le due società. Quella israeliana con la testa nel terzo Millennio e quella rumena ancora assopita nel Ventesimo secolo. Descrive queste due società usando visi, propensioni e paesaggi diversi e fra di loro dissonanti con l’aiuto di una fotografia che è volutamente sottotono ma che è anche clamorosamente espressiva. Un film bellssiomo, questo, perché gronda di umanità, stupore, umorismo, tensione. Tutti ingredienti, questi, che la povera filmografia italiana, imbolsita dai contributi clientelari, riesce sempre meno a utilizzare.

Pl.Mag., 17-12-10
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“L’illusionista” di Sylvain Chomet
con Jean-Claude Donda, Edith Rankin, Jil Aigrot, Didier Gustin, Frédéric Lebon. *****




di Pierluigi Magnaschi

Questo cartone animato per adulti è un film unico nel suo genere oltre che strepitosamente bello ed innovativo come linguaggio. Sylvain Chomet si è proposto (e c’è riuscito molto bene) di realizzare un copione che il famoso mimo-attore francese, Jacques Tati, aveva nel cassetto e che, per varie circostanze, non era riuscito a tradurre in uno dei suoi film.

Ma come si poteva fare un film di Jacques Tati senza Tati? Questo regista c’è riuscito facendo disegnare Tati in un cartone animato. L’attore-mimo infatti non recita qui in carne ed ossa, con la sua andatura dinoccolata ed insieme incerta e ballonzolante, ma recita per interposto, abilissimo disegnatore. E il film è riuscito così bene che, quando, in una breve sequenza, uno spezzone di un vecchio film con Tati viene fatto dialogare con il cartone animato dell’Illusionista, quest’ultimo film ripropone meglio lo spirito e l’immagine e il “magico” di Tati di quanto non sia in grado di rendere la fotografia in bianco e nero in cui Tati recitava se stesso. Ciò avviene perché, come giustamente spiegava Luchino Visconti, nel cinema, se vuoi rendere un bel tramonto devi riprendere un tramonto in qualche modo modificato, in base al principio che, nelle mani di un artista, solo il falso viene percepito come vero. Per cui non c’è più vero del falso. Purché questo gioco sia realizzato da un artista.

I cartoni animati, in questi ultimi anni, sono diventati sempre più tecnologici ed elettronici. Mirano all’iper-rappresentazione della realtà. In prospettiva (sia pur con un retrogusto di artificiosità che, credo, non si potrà mai eliminare) si arriverà a far recitare degli attori ricreati virtualmente e magari clonati alla perfezione con gli attori del passato. Il film l’Illusionista invece segue altri percorsi. E’ molto più vicino a Fantasia di Disney (che appartiene alla sempreverde serie dei film che sono animati a partire da dei sublimi disegni su carta) che non a Shreck. Certo l’Illusionista va molto più avanti, rispetto ai classici film di Disney, nella perfezione tecnica, nella colonna sonora, nella rappresentazione magicamente assonometrica delle grandi città, nei colori squillanti o assopiti delle varie sequenze, nel realismo sostanziale dei vari personaggi o delle varie situazioni.

Il delicato rapporto tra il prestigiatore e la ragazza del pub, abbandonata da tutti, ma stupefatta (e attratta) dal candore di questo illusionista che non dice mai una parola ma che la circonda del suo affetto avvolgente ed inespresso, viene reso in un modo straordinario, sullo sfondo di indimenticabili caratteristi inglesi, ben sbalzati in tutta la loro originalità o stravaganza. Le città che fanno da sfondo a questa soffusa avventura e peregrinazione sono descritti con un capacità estrema di raffigurazione. E i viaggi in barca o in vaporetto sono così realistici che lo spettatore tende a ritrarsi per non essere investito dagli spruzzi dell’acqua ghiacciata. Insomma, chi guarda questo film, entra nella fiaba che non è un racconto ma una emozione appena accennata ma lunga tutto il film. Il quale, dovendo essere decifrato, coinvolge lo spettatore che si trova così immerso in questa soffice nube di emozioni allo stato puro. Mai Tati è stato così Tati come in questo film dove non c’è Tati. Un miracolo, insomma.

10-12-10